บอริส โยฟฟ์ |

บอริส ยอฟฟ์

งานของนักแต่งเพลง นักไวโอลิน ผู้ควบคุมวง และอาจารย์ Boris Yoffe สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากผู้ชื่นชอบดนตรีเชิงวิชาการ มันเป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของความคิดของนักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ ความสำเร็จของ Joffe ในฐานะนักแต่งเพลงสามารถตัดสินได้จากผู้ที่แสดงและบันทึกเพลงของเขา นี่คือรายชื่อนักแสดงที่มีชื่อเสียงในดนตรีของ Yoffe ที่ไม่สมบูรณ์: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann และอื่น ๆ อีกมากมาย Manfred Aicher เปิดตัวใน CD Song of Songs ของ Boris Yoffe ซึ่งเป็นค่ายเพลง ECM ที่บรรเลงโดย Hilliard Ensemble และ Rosamunde Quartet Wolfgang Rihm ยกย่องงานของ Joffe ซ้ำแล้วซ้ำเล่าและเขียนข้อความบางส่วนลงในหนังสือเล่มเล็กของแผ่นดิสก์ Song of Songs ในเดือนกรกฎาคมของปีนี้ สำนักพิมพ์ Wolke ได้ตีพิมพ์หนังสือบทความและบทความเรียงความในภาษาเยอรมันโดย Boris Joffe เรื่อง “Musical Meaning” (“Musikalischer Sinn”)

ดูเหมือนว่า Joffe ถือได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ประสบความสำเร็จทีเดียว บางคนอาจคิดว่าเพลงของเขามักจะได้ยินและเป็นที่รู้จักของหลายๆ คน มาดูสภาพจริงกันบ้าง ดนตรีของโยฟฟ์เล่นบ่อยในเทศกาลดนตรีร่วมสมัยหรือไม่? ไม่ มันไม่ฟังเลย ทำไมฉันจะพยายามตอบด้านล่าง มันเล่นทางวิทยุบ่อยแค่ไหน? ใช่ บางครั้งในยุโรป – โดยเฉพาะ “บทเพลงแห่งเสียงเพลง” – แต่แทบไม่มีรายการใดที่อุทิศให้กับงานของบอริส ยอฟฟ์ อย่างสมบูรณ์ (ยกเว้นอิสราเอล) มีคอนเสิร์ตเยอะไหม? พวกเขาเกิดขึ้นและเกิดขึ้นในหลายประเทศ – ในเยอรมนี สวิตเซอร์แลนด์ ฝรั่งเศส ออสเตรีย สหรัฐอเมริกา อิสราเอล รัสเซีย ขอบคุณนักดนตรีที่สามารถชื่นชมดนตรีของโยฟฟ์ อย่างไรก็ตาม นักดนตรีเหล่านี้เองต้องทำหน้าที่เป็น "โปรดิวเซอร์"

เพลงของ Boris Yoffe ยังไม่เป็นที่รู้จักมากนักและอาจเป็นเพียงหนทางสู่ชื่อเสียง (มีเพียงความหวังและพูดว่า "อาจจะ" เพราะมีตัวอย่างมากมายในประวัติศาสตร์ที่แม้แต่ช่วงเวลาที่ดีที่สุดก็ไม่ได้รับการชื่นชม โดยร่วมสมัย) นักดนตรีที่ชื่นชอบดนตรีและบุคลิกของ Joffe อย่างหลงใหล โดยเฉพาะอย่างยิ่งนักไวโอลิน Patricia Kopatchinskaya นักเปียโน Konstantin Lifshitz และนักกีตาร์ Augustin Wiedenman อ้างสิทธิ์ในผลงานศิลปะของพวกเขาในคอนเสิร์ตและการบันทึกเสียง แต่นี่เป็นเพียงหยดเดียวในมหาสมุทรของคอนเสิร์ตนับพัน

ฉันอยากจะลองตอบคำถามว่าทำไมเพลงของ Boris Yoffe จึงไม่ค่อยได้ยินในเทศกาลดนตรีร่วมสมัย

ปัญหาคืองานของโยฟไม่เข้ากับกรอบงานและทิศทางใดๆ ที่นี่จำเป็นต้องพูดทันทีเกี่ยวกับงานหลักและการค้นพบอย่างสร้างสรรค์ของ Boris Yoffe - "Book of Quartets" ของเขา ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 90 เขาได้เขียนเพลงสี่ชิ้นที่พอดีกับแผ่นเพลงหนึ่งแผ่นทุกวันโดยไม่มีการบ่งชี้จังหวะ ไดนามิก หรืออ็อกจิก ประเภทของบทละครเหล่านี้สามารถกำหนดเป็น "บทกวี" เช่นเดียวกับบทกวี ต้องอ่านแต่ละบท (กล่าวอีกนัยหนึ่ง นักดนตรีต้องกำหนดจังหวะ อะโกจิค และไดนามิกของดนตรี) และไม่ใช่แค่เล่นเท่านั้น ฉันไม่รู้อะไรเกี่ยวกับดนตรีสมัยใหม่เลย (เพลงประกอบไม่นับ) แต่ในดนตรีโบราณมันตลอดเวลา (ใน Art of Fugue ของ Bach ไม่มีแม้แต่สัญลักษณ์สำหรับเครื่องดนตรี ไม่ต้องพูดถึงจังหวะและไดนามิก) . ยิ่งไปกว่านั้น เป็นการยากที่จะ "ผลัก" เพลงของโยฟฟ์ให้เป็นกรอบโวหารที่ชัดเจน นักวิจารณ์บางคนเขียนเกี่ยวกับประเพณีของ Reger และ Schoenberg (นักเขียนและนักเขียนบทชาวอังกฤษ Paul Griffiths) ซึ่งแน่นอนว่าดูแปลกมาก! - คนอื่นจำ Cage และ Feldman ได้ - อย่างหลังเห็นได้ชัดเป็นพิเศษในการวิจารณ์ของชาวอเมริกัน (Stephen Smolyar) ซึ่งเห็นบางสิ่งที่ใกล้ชิดและเป็นส่วนตัวใน Yoff นักวิจารณ์คนหนึ่งเขียนว่า: “เพลงนี้มีทั้งโทนและโทน” – ความรู้สึกที่ผิดปกติและไม่ได้มาตรฐานเช่นนี้มีประสบการณ์โดยผู้ฟัง เพลงนี้อยู่ห่างไกลจาก "ความเรียบง่ายแบบใหม่" และ "ความยากจน" ของ Pärt และ Silvestrov เช่นเดียวกับที่มาจาก Lachenman หรือ Fernyhow เช่นเดียวกับความเรียบง่าย อย่างไรก็ตาม ในดนตรีของ Joffe เราสามารถมองเห็นความเรียบง่าย ความแปลกใหม่ และแม้แต่ "ความมินิมอล" แบบหนึ่ง เมื่อได้ฟังเพลงนี้ครั้งเดียวก็ไม่สามารถสับสนกับเพลงอื่นได้อีก เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัวของบุคลิกภาพ เสียง และใบหน้าของบุคคล

อะไรที่ไม่ได้อยู่ในเพลงของ Boris Yoffe? ไม่มีการเมืองไม่มี "ปัญหาเฉพาะ" ไม่มีหนังสือพิมพ์และชั่วขณะ ไม่มีเสียงรบกวนและกลุ่มสามกลุ่มมากมายในนั้น เพลงดังกล่าวกำหนดรูปแบบและความคิดของมัน ฉันพูดซ้ำ: นักดนตรีที่เล่นเพลงของ Joffe จะต้องสามารถอ่านโน้ตได้ ไม่ใช่เล่นเพลงเหล่านั้นได้ เพราะดนตรีดังกล่าวต้องการการสมรู้ร่วมคิด แต่ผู้ฟังก็ต้องมีส่วนร่วมด้วย ปรากฎว่าความขัดแย้ง: ดูเหมือนว่าดนตรีไม่ได้ถูกบังคับและหายใจด้วยโน้ตปกติ แต่คุณควรฟังเพลงอย่างระมัดระวังโดยเฉพาะอย่างยิ่งและอย่าฟุ้งซ่าน - อย่างน้อยในช่วงสี่นาที ไม่ยาก: คุณไม่จำเป็นต้องเป็นผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ คุณไม่จำเป็นต้องคิดเกี่ยวกับเทคนิคหรือแนวคิด การจะเข้าใจและรักดนตรีของบอริส ยอฟฟ์ เราต้องสามารถฟังดนตรีโดยตรงและละเอียดอ่อนและดำเนินการต่อไปได้

มีคนเปรียบเทียบดนตรีของ Joffe กับน้ำ และอีกเพลงหนึ่งกับขนมปัง กับสิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับชีวิต มีของกินมากมายเหลือเกิน แต่ทำไมคุณถึงกระหายน้ำ ทำไมคุณถึงรู้สึกเหมือนกับแซงเต็กซูเปรีในทะเลทราย? “Book of Quartets” ซึ่งมี “บทกวี” นับพันบท ไม่ได้เป็นเพียงศูนย์กลางของงานของ Boris Yoffe แต่ยังเป็นแหล่งที่มาของผลงานอื่นๆ มากมายของเขา ทั้งวงดุริยางค์ ห้องแชมเบอร์ และแกนนำ

โอเปร่าสองชิ้นก็โดดเด่นเช่นกัน: "เรื่องราวของรับบีและลูกชายของเขา" ตามแรบไบแนชมานในภาษายิดดิช (กวีและนักแปลที่มีชื่อเสียง Anri Volokhonsky มีส่วนร่วมในการเขียนบท) และ "Esther Racine" ตามข้อความต้นฉบับของฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ นักเขียนบทละคร ทั้งโอเปร่าสำหรับทั้งมวล “รับบี” ซึ่งไม่เคยมีการแสดงมาก่อน (ยกเว้นการแนะนำ) ผสมผสานเครื่องดนตรีสมัยใหม่และเครื่องดนตรีโบราณเข้าด้วยกันในการปรับแต่งที่แตกต่างกัน เอสเธอร์เขียนขึ้นสำหรับศิลปินเดี่ยวสี่คนและวงดนตรีสไตล์บาโรกขนาดเล็ก จัดแสดงในบาเซิลในปี 2006 และควรกล่าวถึงแยกต่างหาก

“ Esther Racina” เป็นเครื่องบรรณาการ (การแสดงความเคารพ) ต่อ Rameau แต่ในขณะเดียวกันโอเปร่าก็ไม่ใช่สไตล์และเขียนในลักษณะที่เป็นที่รู้จัก ดูเหมือนว่าไม่มีอะไรเกิดขึ้นตั้งแต่ Oedipus Rex ของ Stravinsky ซึ่งสามารถเปรียบเทียบ Esther ได้ เช่นเดียวกับโอเปร่า-ออราโตริโอของสตราวินสกี เอสเธอร์ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงยุคดนตรีหนึ่งยุคเท่านั้น – มันไม่ใช่งานประจำที่ไม่มีตัวตน ในทั้งสองกรณี ผู้แต่ง สุนทรียศาสตร์และแนวคิดทางดนตรีของพวกเขาเป็นที่จดจำได้อย่างสมบูรณ์แบบ อย่างไรก็ตาม นี่คือจุดเริ่มต้นของความแตกต่าง โอเปร่าของสตราวินสกีมักคำนึงถึงดนตรีที่ไม่ใช่ของสตราวินสกีเพียงเล็กน้อย สิ่งที่น่าสนใจกว่านั้นคือสิ่งที่มาจากความสามัคคีและจังหวะของเขามากกว่าความเข้าใจในประเภทของประเพณีบาโรก แต่ Stravinsky ใช้ความคิดโบราณ "ฟอสซิล" ของประเภทและรูปแบบในลักษณะที่พวกมันสามารถแตกและสร้างจากชิ้นส่วนเหล่านี้ได้ (อย่างที่ Picasso ทำในภาพวาด) Boris Yoffe ไม่ทำลายสิ่งใดเพราะสำหรับเขาแนวเพลงและรูปแบบของดนตรีบาโรกเหล่านี้ไม่ใช่ฟอสซิลและการฟังเพลงของเขาเราสามารถเชื่อได้ว่าประเพณีดนตรียังมีชีวิตอยู่ นี่ไม่ได้เตือนคุณถึง… ปาฏิหาริย์ของการฟื้นคืนชีพของคนตายเหรอ? อย่างที่คุณเห็นเท่านั้น แนวคิด (และยิ่งกว่านั้นคือความรู้สึก) ของปาฏิหาริย์อยู่นอกขอบเขตของชีวิตของมนุษย์สมัยใหม่ ปาฏิหาริย์ที่บันทึกไว้ในบันทึกของ Horowitz ถูกพบว่าหยาบคาย และปาฏิหาริย์ของ Chagall นั้นไร้เดียงสา และถึงแม้ทุกอย่าง: ชูเบิร์ตยังมีชีวิตอยู่ในงานเขียนของ Horowitz และแสงส่องเข้ามาที่โบสถ์เซนต์สตีเฟนผ่านหน้าต่างกระจกสีของ Chagall จิตวิญญาณของชาวยิวและดนตรียุโรปมีอยู่ทั้งๆ ที่มีทุกอย่างในงานศิลปะของจอฟฟ์ “เอสเธอร์” ไร้ซึ่งผลกระทบจากลักษณะภายนอกหรือความงามที่ “แวววาว” โดยสิ้นเชิง เช่นเดียวกับบทกวีของ Racine ดนตรีมีความเข้มงวดและสง่างาม แต่ภายในความเข้มงวดที่สง่างามนี้ เสรีภาพจะถูกมอบให้กับการแสดงออกและตัวละครที่หลากหลาย ส่วนโค้งของเสียงร้องของเอสเธอร์ต้องเป็นของจักรพรรดินีผู้งดงามเท่านั้น ไหล่ที่อ่อนโยนและสง่างามของเธอ… เช่นเดียวกับแมนเดลสแตม: “… ทุกคนร้องภรรยาผู้ได้รับพรที่มีไหล่สูงชัน…” ในเวลาเดียวกัน เราได้ยินความเจ็บปวด ตัวสั่น ความเจ็บปวดทั้งหมด พลังแห่งความอ่อนโยน ศรัทธา ความรัก การหลอกลวง ความเย่อหยิ่ง และความเกลียดชัง อาจจะไม่เป็นเช่นนั้นในชีวิต แต่อย่างน้อยในงานศิลปะเราจะเห็นและได้ยินมัน และนี่ไม่ใช่การหลอกลวง ไม่ใช่การหลีกหนีจากความเป็นจริง: ความอ่อนโยน ศรัทธา ความรัก – นี่คือสิ่งที่เป็นมนุษย์ สิ่งที่ดีที่สุดที่มีอยู่ในตัวเรา ผู้คน ใครก็ตามที่รักงานศิลปะต้องการเห็นเฉพาะสิ่งที่มีค่าและบริสุทธิ์ที่สุดเท่านั้นและในโลกนี้ยังมีสิ่งสกปรกและหนังสือพิมพ์เพียงพอ และไม่สำคัญว่าของมีค่านี้จะเรียกว่าความอ่อนโยนหรือความเข้มแข็ง หรืออาจจะทั้งสองอย่างพร้อมกัน Boris Yoffe กับงานศิลปะของเขาได้แสดงความคิดโดยตรงเกี่ยวกับความงามของเขาในบทพูดคนเดียวของ Esther จากองก์ที่ 3 ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่วัสดุและสุนทรียภาพทางดนตรีของบทพูดคนเดียวนั้นมาจาก "Book of Quartets" ซึ่งเป็นงานหลักของนักแต่งเพลง ซึ่งเขาทำเฉพาะสิ่งที่เขาเห็นว่าจำเป็นสำหรับตัวเองเท่านั้น

Boris Yoffe เกิดเมื่อวันที่ 21 ธันวาคม พ.ศ. 1968 ในเลนินกราดในครอบครัววิศวกร ศิลปะครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตของครอบครัว Yoffe และบอริสตัวน้อยก็สามารถเข้าร่วมวรรณกรรมและดนตรีได้ค่อนข้างเร็ว (ผ่านการบันทึกเสียง) เมื่ออายุได้ 9 ขวบ เขาเริ่มเล่นไวโอลินด้วยตัวเอง โดยเข้าเรียนที่โรงเรียนดนตรี เมื่ออายุได้ 11 ขวบ เขาได้แต่งเพลงสี่ชุดแรก ใช้เวลา 40 นาที ซึ่งดนตรีทำให้ผู้ฟังประหลาดใจด้วยความหมาย หลังจากชั้นประถมศึกษาปีที่ 8 Boris Yoffe เข้าโรงเรียนดนตรีในชั้นเรียนไวโอลิน (ped. Zaitsev) ในเวลาเดียวกัน การประชุมที่สำคัญสำหรับ Joffe ก็เกิดขึ้น: เขาเริ่มเรียนบทเรียนส่วนตัวในทางทฤษฎีจาก Adam Stratievsky Stratievsky นำนักดนตรีรุ่นเยาว์มาสู่ระดับใหม่ของความเข้าใจในดนตรีและสอนสิ่งต่าง ๆ ที่เป็นประโยชน์มากมายแก่เขา จอฟเองก็พร้อมสำหรับการประชุมครั้งนี้ผ่านการแสดงละครเวทีอันมหึมาของเขา (หูที่ละเอียดอ่อน ความทรงจำ และที่สำคัญที่สุดคือความรักในดนตรีที่ไม่มีวันสิ้นสุด การคิดกับดนตรี)

จากนั้นมีการรับราชการในกองทัพโซเวียตและการอพยพไปยังอิสราเอลในปี 1990 ในเทลอาวีฟ Boris Yoffe เข้าสู่ Music Academy Rubin และศึกษาต่อกับ A. Stratievsky ในปี 1995 Book of Quartets ชิ้นแรกถูกเขียนขึ้น สุนทรียศาสตร์ของพวกเขาถูกกำหนดไว้ในบทความสั้น ๆ สำหรับสตริงทรีโอที่เขียนขึ้นในขณะที่ยังอยู่ในกองทัพ ไม่กี่ปีต่อมา แผ่นดิสก์แผ่นแรกที่มีควอเตตถูกบันทึก ในปี 1997 Boris Joffe ย้ายไป Karlsruhe พร้อมภรรยาและลูกสาวคนแรกของเขา ที่นั่นเขาศึกษากับโวล์ฟกัง ริห์ม มีการเขียนโอเปร่าสองบทที่นั่นและมีการออกแผ่นอีกสี่แผ่น Joffe อาศัยและทำงานใน Karlsruhe มาจนถึงทุกวันนี้