วิโทลด์ ลูโตสลาฟสกี้ |

วิโทลด์ ลูโตสลาฟสกี้

Witold Lutosławski ใช้ชีวิตสร้างสรรค์ที่ยาวนานและเต็มไปด้วยเหตุการณ์สำคัญ เมื่ออายุมากขึ้น เขายังคงความต้องการสูงสุดในตัวเองและความสามารถในการปรับปรุงและเปลี่ยนแปลงรูปแบบการเขียน โดยไม่ทำซ้ำการค้นพบก่อนหน้าของเขาเอง หลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง เพลงของเขายังคงแสดงและบันทึกเสียงอย่างต่อเนื่อง เป็นการยืนยันถึงชื่อเสียงของ Lutosławski เป็นหลัก โดยเคารพ Karol Szymanowski และ Krzysztof Penderecki ซึ่งเป็นเพลงคลาสสิกประจำชาติโปแลนด์รองจาก Chopin แม้ว่าที่อยู่อาศัยของ Lutosławski จะยังคงอยู่ในกรุงวอร์ซอว์จวบจนสิ้นอายุขัยของเขา แต่เขาก็เป็นมากกว่าโชแปงที่เป็นพลเมืองของโลกเสียอีก

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Lutosławski ศึกษาที่ Warsaw Conservatory ซึ่งครูสอนการประพันธ์เพลงของเขาเป็นลูกศิษย์ของ NA Rimsky-Korsakov, Witold Malishevsky (1873–1939) สงครามโลกครั้งที่สองขัดขวางอาชีพนักเปียโนและการแต่งเพลงที่ประสบความสำเร็จของลูโตสลาฟสกี้ ในช่วงหลายปีที่นาซียึดครองโปแลนด์ นักดนตรีถูกบังคับให้จำกัดกิจกรรมสาธารณะของเขาให้เล่นเปียโนในร้านกาแฟในวอร์ซอว์ บางครั้งก็เล่นคู่กับนักแต่งเพลงชื่อดัง Andrzej Panufnik (1914-1991) รูปแบบของการทำดนตรีนี้เป็นผลมาจากรูปลักษณ์ของผลงาน ซึ่งได้กลายเป็นหนึ่งในรูปแบบที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ไม่เพียงแต่ในมรดกของ Lutoslawsky เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวรรณกรรมระดับโลกสำหรับการเล่นเปียโนคู่ด้วย - การแปรผันตามธีมของปากานินี สำหรับรูปแบบเหล่านี้ – เช่นเดียวกับบทประพันธ์อื่น ๆ ของผู้แต่งหลายคน “ในธีมของปากานินี” – เป็นจุดเริ่มต้นของการบรรเลงไวโอลินเดี่ยวของปากานินีอันโด่งดังครั้งที่ 24) สามทศวรรษครึ่งต่อมา Lutosławski ได้ถอดความ Variations สำหรับ Piano and Orchestra ซึ่งเป็นเวอร์ชันที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางเช่นกัน

หลังจากสงครามโลกครั้งที่สองสิ้นสุดลง ยุโรปตะวันออกอยู่ภายใต้อารักขาของสหภาพโซเวียตสตาลิน และสำหรับนักแต่งเพลงที่พบว่าตัวเองอยู่หลังม่านเหล็ก ช่วงเวลาแห่งความโดดเดี่ยวจากกระแสดนตรีโลกเริ่มขึ้น จุดอ้างอิงที่รุนแรงที่สุดสำหรับ Lutoslawsky และเพื่อนร่วมงานของเขาคือทิศทางของคติชนวิทยาในงานของ Bela Bartok และนีโอคลาสสิกของฝรั่งเศสระหว่างสงคราม ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดคือ Albert Roussel (Lutoslavsky ชื่นชมนักแต่งเพลงคนนี้เสมอ) และ Igor Stravinsky ในช่วงระหว่าง Septet สำหรับ Winds and the Symphony ใน C major แม้ในสภาวะที่ขาดอิสรภาพ อันเกิดจากความต้องการที่จะเชื่อฟังหลักการของสัจนิยมแบบสังคมนิยม นักแต่งเพลงก็สามารถสร้างผลงานต้นฉบับที่สดใหม่ได้มากมาย (Little Suite สำหรับวงแชมเบอร์ออร์เคสตรา, 1950; Silesian Triptych สำหรับนักร้องเสียงโซปราโนและวงออเคสตราสำหรับคำพื้นบ้าน , 1951; Bukoliki) สำหรับเปียโน 1952) จุดสูงสุดของสไตล์ยุคแรกเริ่มของลูโตสลาฟสกี้คือ First Symphony (1947) และ Concerto for Orchestra (1954) หากซิมโฟนีมีแนวโน้มไปทางนีโอคลาสสิกของ Roussel และ Stravinsky มากขึ้น (ในปี 1948 มันถูกประณามว่าเป็น "formalist" และการแสดงของมันถูกห้ามในโปแลนด์เป็นเวลาหลายปี) ดังนั้นความเชื่อมโยงกับดนตรีพื้นบ้านจะแสดงอย่างชัดเจนในคอนแชร์โต: วิธีการของ การทำงานกับน้ำเสียงพื้นบ้าน ทำให้นึกถึงสไตล์ของBartókได้อย่างชัดเจนถูกนำมาใช้อย่างเชี่ยวชาญที่นี่กับวัสดุของโปแลนด์ คะแนนทั้งสองแสดงคุณสมบัติที่พัฒนาขึ้นในผลงานชิ้นต่อไปของ Lutoslawski: การประสานเสียงที่ชาญฉลาด ความแตกต่างที่มากมาย การขาดโครงสร้างที่สมมาตรและสม่ำเสมอ (ความยาวของวลีที่ไม่เท่ากัน จังหวะที่ไม่สม่ำเสมอ) หลักการของการสร้างรูปแบบขนาดใหญ่ตามแบบจำลองการเล่าเรื่องด้วย การอธิบายที่ค่อนข้างเป็นกลาง การหักมุมที่น่าสนใจในการเปิดโปงเนื้อเรื่อง ความตึงเครียดที่เพิ่มขึ้นและข้อไขเค้าความที่น่าประทับใจ

การละลายของกลางทศวรรษที่ 1950 เป็นโอกาสสำหรับนักแต่งเพลงชาวยุโรปตะวันออกที่จะลองใช้เทคนิคตะวันตกสมัยใหม่ ลูโตสลาฟสกีก็เหมือนกับเพื่อนร่วมงานของเขาหลายคน ประสบความหลงใหลในดนตรีเดโคโฟนีในช่วงสั้นๆ ผลจากความสนใจในแนวคิดนิวเวียนนาของเขาคือเพลงงานศพของบาร์ทอคสำหรับวงเครื่องสาย (1958) "เพลงห้าเพลงในบทกวีโดย Kazimera Illakovich" ที่เจียมเนื้อเจียมตัวมากขึ้น แต่ยังเป็นต้นฉบับมากขึ้นสำหรับเสียงผู้หญิงและเปียโน (1957; เพลงของเพลงมีความโดดเด่นในการใช้คอร์ดสิบสองโทนสีซึ่งกำหนดโดยอัตราส่วนของช่วงเวลาที่ประกอบกันเป็นแนวตั้งที่สำคัญ คอร์ดประเภทนี้ ไม่ได้ใช้ในบริบทของ dodecaphonic-serial แต่เป็นหน่วยโครงสร้างอิสระ ซึ่งแต่ละคอร์ดมีคุณภาพเสียงต้นฉบับที่ไม่เหมือนใคร จะมีบทบาทสำคัญในผลงานทั้งหมดในภายหลังของผู้แต่ง

ขั้นตอนใหม่ในวิวัฒนาการของ Lutosławski เริ่มต้นขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 1950 และ 1960 ด้วย Venetian Games สำหรับแชมเบอร์ออร์เคสตรา ที่นี่ ลูโตสลาฟสกีได้ทดสอบวิธีการใหม่ในการสร้างพื้นผิวออเคสตร้าเป็นครั้งแรก ซึ่งชิ้นส่วนเครื่องดนตรีต่างๆ ไม่ประสานกันอย่างสมบูรณ์ ผู้ควบคุมวงไม่ได้มีส่วนร่วมในการแสดงบางส่วนของงาน - เขาระบุเฉพาะช่วงเวลาของการเริ่มต้นของส่วนหลังจากนั้นนักดนตรีแต่ละคนจะเล่นในจังหวะอิสระจนกว่าจะถึงสัญญาณถัดไปของผู้ควบคุมวง อะเลเอทอริกทั้งมวลที่หลากหลายนี้ ซึ่งไม่ส่งผลต่อรูปแบบองค์ประกอบโดยรวม บางครั้งเรียกว่า "อะเลเอทอริก เคาเตอร์พอยต์" (ขอเตือนคุณว่าอะเลเอทอริกจากภาษาละติน alea - "dice, lot" โดยทั่วไปหมายถึงการประพันธ์เพลง วิธีการที่รูปแบบหรือพื้นผิวของงานที่ทำนั้นคาดเดาไม่ได้มากหรือน้อย) ในเพลงประกอบส่วนใหญ่ของ Lutosławski เริ่มต้นด้วย Venetian Games ตอนต่าง ๆ แสดงด้วยจังหวะที่เคร่งครัด (a battuta ซึ่งก็คือ “ใต้ไม้กายสิทธิ์ของ [ตัวนำ]”) สลับกับตอนต่าง ๆ ที่แสดงความรู้สึกผิด (ad libitum – “ตามใจ”); ในขณะเดียวกัน เศษเล็กเศษน้อยมักเกี่ยวข้องกับความคงที่และความเฉื่อย ก่อให้เกิดภาพแห่งความมึนงง การทำลายล้างหรือความโกลาหล และการแยกชิ้นส่วนด้วยการพัฒนาที่ก้าวหน้า

แม้ว่าตามแนวคิดการประพันธ์เพลงทั่วไป ผลงานของ Lutoslawsky จะมีความหลากหลายมาก (ในแต่ละคะแนนต่อเนื่องที่เขาพยายามแก้ปัญหาใหม่) สถานที่ที่โดดเด่นในผลงานที่โตเต็มที่ของเขาถูกครอบครองโดยโครงร่างการประพันธ์สองส่วน ซึ่งทดสอบครั้งแรกในวงเครื่องสาย (พ.ศ. 1964): ส่วนแรกที่แตกเป็นเสี่ยงๆ มีปริมาณน้อยกว่า ทำหน้าที่แนะนำโดยละเอียดเกี่ยวกับส่วนที่สอง ซึ่งอิ่มตัวไปด้วยการเคลื่อนไหวอย่างมีจุดมุ่งหมาย จุดไคลแม็กซ์จะมาถึงก่อนสิ้นสุดงานไม่นาน ส่วนต่างๆ ของวงเครื่องสายตามลักษณะการแสดงละครเรียกว่า “การเคลื่อนไหวเบื้องต้น” (“ส่วนเบื้องต้น” – ภาษาอังกฤษ) และ “การเคลื่อนไหวหลัก” (“ส่วนหลัก” – ภาษาอังกฤษ) ในระดับที่ใหญ่ขึ้น มีการใช้รูปแบบเดียวกันนี้ในซิมโฟนีที่สอง (พ.ศ. 1967) ซึ่งการเคลื่อนไหวครั้งแรกมีชื่อว่า "He'sitant" ("ลังเล" - ภาษาฝรั่งเศส) และครั้งที่สอง - "โดยตรง" ("ตรง" - ภาษาฝรั่งเศส ). The “Book for Orchestra” (1968; “หนังสือ” เล่มนี้ประกอบด้วย “บท” เล็กๆ สามบทที่แยกจากกันโดยการสลับฉากสั้น ๆ และ “บท” สุดท้ายขนาดใหญ่ที่มีเหตุการณ์สำคัญ) เชลโลคอนแชร์โตมีพื้นฐานมาจากเวอร์ชั่นที่ซับซ้อนหรือดัดแปลงของ รูปแบบเดียวกัน ร่วมกับวงออร์เคสตรา (พ.ศ. 1970), ซิมโฟนีที่สาม (พ.ศ. 1983) ในบทประพันธ์ที่ยาวที่สุดของ Lutosławski (ประมาณ 40 นาที) เรื่อง Preludes และ Fugue สำหรับเครื่องสายเดี่ยวสิบสามเครื่อง (1972) หน้าที่ของส่วนเกริ่นนำแสดงโดยชุดบทนำแปดชุดของตัวละครต่างๆ ในขณะที่หน้าที่ของการเคลื่อนไหวหลักคือ พลังคลี่ความทรงจำ โครงร่างสองส่วนซึ่งแปรผันไปด้วยความเฉลียวฉลาดที่ไม่รู้จักหมดสิ้น กลายเป็นรูปแบบหนึ่งสำหรับ "ละคร" ที่บรรเลงโดย Lutosławski ซึ่งเต็มไปด้วยการหักมุมต่างๆ ในผลงานที่โตเต็มที่ของนักแต่งเพลงแล้ว เราไม่พบสัญญาณที่ชัดเจนของ "ความเป็นโปแลนด์" หรือคำสบถใด ๆ เกี่ยวกับนีโอโรแมนติกหรือ "นีโอสไตล์" อื่น ๆ เขาไม่เคยใช้โวหารพาดพิง นับประสาอะไรกับเพลงของคนอื่นโดยตรง ในแง่หนึ่ง Lutosławski เป็นบุคคลที่โดดเดี่ยว บางทีนี่อาจเป็นสิ่งที่กำหนดสถานะของเขาในฐานะคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ XNUMX และเป็นสากลที่มีหลักการ: เขาสร้างโลกของตัวเองที่เป็นต้นฉบับอย่างแท้จริงเป็นมิตรกับผู้ฟัง แต่เชื่อมโยงทางอ้อมกับประเพณีและกระแสอื่น ๆ ของดนตรีใหม่

ภาษาฮาร์มอนิกที่โตเต็มที่ของ Lutoslavsky นั้นมีความเป็นปัจเจกบุคคลอย่างลึกซึ้งและอิงจากงานลวดลายที่มีคอมเพล็กซ์ 12 โทนเสียงและช่วงห่างและเสียงประสานที่สร้างสรรค์ซึ่งแยกออกจากกัน เริ่มต้นด้วยเชลโลคอนแชร์โต บทบาทของบทเพลงที่ไพเราะและลึกซึ้งในดนตรีของลูโตสลาฟสกี้เพิ่มมากขึ้น ต่อมาองค์ประกอบของความพิสดารและอารมณ์ขันได้ทวีความรุนแรงขึ้นในนั้น (โนเวเล็ตสำหรับวงออร์เคสตรา 1979; ตอนจบของดับเบิลคอนแชร์โตสำหรับโอโบ พิณ และแชมเบอร์ออร์เคสตรา 1980; วงจรเพลง Songflowers and song tales” for soprano and orchestra, 1990) การเขียนฮาร์มอนิกและความไพเราะของ Lutosławski ไม่รวมความสัมพันธ์ของวรรณยุกต์แบบคลาสสิก แต่อนุญาตให้มีองค์ประกอบของการรวมศูนย์ของวรรณยุกต์ ผลงานชิ้นสำคัญบางชิ้นในภายหลังของ Lutosławski เกี่ยวข้องกับรูปแบบเพลงบรรเลงแนวโรแมนติก ดังนั้น ในซิมโฟนีที่สาม ดนตรีออเคสตร้าที่ทะเยอทะยานที่สุดในบรรดาโน้ตเพลงออร์เคสตร้าทั้งหมด เต็มไปด้วยดราม่า เต็มไปด้วยความแตกต่าง หลักการของการประพันธ์เพลงเดี่ยวแบบเคลื่อนไหวเดียวที่ยิ่งใหญ่ถูกนำมาใช้แต่เดิม และ Piano Concerto (1988) ยังคงเป็นแนวของ นักเปียโนโรแมนติกที่ยอดเยี่ยมของ "สไตล์ที่ยิ่งใหญ่" ผลงานสามชิ้นภายใต้ชื่อทั่วไปว่า "Chains" ก็เป็นของช่วงปลายเช่นกัน ใน “Chain-1” (สำหรับ 14 เครื่องดนตรี, 1983) และ “Chain-3” (สำหรับวงออเคสตรา, 1986) หลักการของการ “เชื่อมโยง” (การซ้อนทับบางส่วน) ของส่วนสั้นซึ่งแตกต่างกันในพื้นผิว เสียงต่ำ และเมโลดิก-ฮาร์โมนิก ลักษณะมีบทบาทสำคัญ ( บทนำจากวงจร "โหมโรงและความทรงจำ" เกี่ยวข้องกันในลักษณะเดียวกัน) ในแง่ของรูปแบบที่ไม่ธรรมดาคือ Chain-2 (1985) ซึ่งเป็นไวโอลินคอนแชร์โตสี่จังหวะ (บทนำและสามจังหวะสลับกันตามรูปแบบเร็ว-ช้า-เร็วแบบดั้งเดิม) ซึ่งเป็นกรณีที่หายากเมื่อลูโตสลาฟสกีละทิ้งสองท่อนโปรดของเขา โครงการ

บรรทัดพิเศษในผลงานที่โตเต็มที่ของนักแต่งเพลงแสดงด้วยบทประพันธ์เสียงขนาดใหญ่: "Three Poems โดย Henri Michaud" สำหรับการร้องประสานเสียงและวงออเคสตราที่ดำเนินการโดยวาทยกรที่แตกต่างกัน (1963), "Weaved Words" ใน 4 ส่วนสำหรับเทเนอร์และแชมเบอร์ออร์เคสตรา (1965 ), “Spaces of Sleep ” สำหรับบาริโทนและวงออเคสตรา (1975) และวงจรเก้าส่วนที่กล่าวถึงแล้ว “Songflowers and Song Tales” ทั้งหมดนี้อิงจากบทกวีเซอร์เรียลลิสม์ของฝรั่งเศส (ผู้แต่งข้อความของ "Waved Words" คือ Jean-Francois Chabrin และผลงานสองชิ้นสุดท้ายเขียนขึ้นจากคำพูดของ Robert Desnos) Lutosławski ในวัยหนุ่มมีความเห็นอกเห็นใจเป็นพิเศษต่อภาษาฝรั่งเศสและวัฒนธรรมฝรั่งเศส และโลกทัศน์ทางศิลปะของเขาใกล้เคียงกับความคลุมเครือและความคลุมเครือของความหมายที่มีลักษณะเฉพาะของลัทธิเหนือจริง

ดนตรีของลูโตสลาฟสกีมีความโดดเด่นในด้านความไพเราะของคอนเสิร์ต โดยมีองค์ประกอบของความเก่งกาจที่แสดงออกมาอย่างชัดเจน ไม่น่าแปลกใจที่ศิลปินที่โดดเด่นเต็มใจร่วมมือกับนักแต่งเพลง ในบรรดาล่ามคนแรกในผลงานของเขา ได้แก่ Peter Pearce (Woven Words), Lasalle Quartet (String Quartet), Mstislav Rostropovich (Cello Concerto), Heinz และ Ursula Holliger (Double Concerto สำหรับโอโบและพิณพร้อมวง Chamber Orchestra) , Dietrich Fischer-Dieskau ( “Dream Spaces”), Georg Solti (ซิมโฟนีชุดที่สาม), Pinchas Zuckermann (Partita สำหรับไวโอลินและเปียโน, 1984), Anne-Sophie Mutter (“Chain-2” สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา), Krystian Zimerman (คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา) และเป็นที่รู้จักน้อยกว่าในละติจูดของเรา แต่ Solveig Kringelborn นักร้องชาวนอร์เวย์ที่ยอดเยี่ยมมาก (“Songflowers and Songtales”) ลูโตสลาฟสกี้เองมีของขวัญจากวาทยกรที่ไม่ธรรมดา ท่าทางของเขาแสดงออกอย่างโดดเด่นและใช้งานได้จริง แต่เขาไม่เคยเสียสละศิลปะเพื่อความแม่นยำ ลูโตสลาฟสกีได้แสดงและบันทึกเสียงร่วมกับวงออเคสตร้าจากประเทศต่างๆ

รายชื่อจานเสียงที่หลากหลายและเติบโตอย่างต่อเนื่องของ Lutosławski ยังคงถูกครอบงำด้วยการบันทึกต้นฉบับ ตัวแทนส่วนใหญ่ของพวกเขาถูกรวบรวมไว้ในอัลบั้มคู่ที่เพิ่งเปิดตัวโดย Philips และ EMI คุณค่าของเพลงแรก (“The Essential Lutoslawski”—Philips Duo 464 043) ในความคิดของฉัน ถูกกำหนดโดย Double Concerto และ “Spaces of Sleep” โดยมีส่วนร่วมของคู่สมรส Holliger และ Dietrich Fischer-Dieskau ตามลำดับ ; การตีความของผู้เขียนเรื่อง Third Symphony กับ Berlin Philharmonic ที่ปรากฏที่นี่ แปลกพอสมควร ไม่เป็นไปตามความคาดหวัง (เท่าที่ฉันรู้ การบันทึกเสียงของผู้เขียนที่ประสบความสำเร็จมากกว่ากับ British Broadcasting Corporation Symphony Orchestra ไม่ได้ถูกโอนไปยังซีดี ). อัลบั้มที่สอง "Lutoslawski" (EMI Double Forte 573833-2) มีเพียงงานออเคสตร้าที่เหมาะสมซึ่งสร้างขึ้นก่อนกลางทศวรรษ 1970 และมีคุณภาพมากกว่านั้น วงออเคสตราแห่งชาติที่ยอดเยี่ยมของวิทยุโปแลนด์จาก Katowice มีส่วนร่วมในการบันทึกเสียงเหล่านี้ ต่อมาหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง ได้มีส่วนร่วมในการบันทึกคอลเลกชั่นผลงานออเคสตร้าของเขาที่เกือบสมบูรณ์ ซึ่งเผยแพร่ตั้งแต่ปี 1995 บนแผ่นดิสก์โดย บริษัท Naxos (จนถึงเดือนธันวาคม 2001 ออกแผ่นเจ็ดแผ่น) คอลเลกชันนี้สมควรได้รับคำชมทั้งหมด ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของวงออเคสตรา Antoni Wit ดำเนินการในลักษณะที่ชัดเจนและมีพลวัต และนักเล่นเครื่องดนตรีและนักร้อง (ส่วนใหญ่เป็นชาวโปแลนด์) ที่แสดงเดี่ยวในคอนเสิร์ตและบทประพันธ์ที่ร้อง หากด้อยกว่ารุ่นก่อนๆ ที่ประสบความสำเร็จมากกว่า ก็ยังมีน้อยมาก บริษัท ใหญ่อีกแห่งหนึ่ง Sony วางจำหน่ายสองแผ่น (SK 66280 และ SK 67189) ซิมโฟนีที่สอง สาม และสี่ (ในความคิดของฉัน ประสบความสำเร็จน้อยกว่า) เช่นเดียวกับ Piano Concerto, Spaces of Sleep, Songflowers และ Songtales "; ในการบันทึกนี้ Los Angeles Philharmonic Orchestra ดำเนินการโดย Esa-Pekka Salonen (ผู้แต่งเพลงเอง ซึ่งโดยทั่วไปไม่ชอบเสียงสูงๆ เรียกวาทยกรคนนี้ว่า "มหัศจรรย์"1) ศิลปินเดี่ยวคือ Paul Crossley (เปียโน), John Shirley -Quirk (บาริโทน), Don Upshaw (โซปราโน)

เมื่อย้อนกลับไปที่การตีความของผู้เขียนที่บันทึกในซีดีของบริษัทที่มีชื่อเสียง เราไม่สามารถพลาดการบันทึกเสียงที่ยอดเยี่ยมของ Cello Concerto (EMI 7 49304-2), Piano Concerto (Deutsche Grammophon 431 664-2) และไวโอลินคอนแชร์โต " Chain- 2” (Deutsche Grammophon 445 576-2) แสดงโดยมีส่วนร่วมของผู้เชี่ยวชาญที่อุทิศบทประพันธ์ทั้งสามนี้ให้ นั่นคือ Mstislav Rostropovich, Krystian Zimermann และ Anne-Sophie Mutter ตามลำดับ สำหรับแฟน ๆ ที่ยังไม่คุ้นเคยหรือไม่ค่อยคุ้นเคยกับงานของ Lutoslawsky ฉันขอแนะนำให้คุณเปิดการบันทึกเหล่านี้ก่อน แม้จะมีความทันสมัยของภาษาดนตรีของคอนแชร์โตทั้งสาม แต่ก็ฟังง่ายและมีความกระตือรือร้นเป็นพิเศษ Lutoslavsky ตีความชื่อประเภท "คอนเสิร์ต" ตามความหมายดั้งเดิมนั่นคือเป็นการแข่งขันระหว่างศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตราโดยบอกว่าศิลปินเดี่ยวฉันจะพูดว่ากีฬา (ในความรู้สึกที่สูงส่งที่สุดของ คำ) ความกล้าหาญ ไม่จำเป็นต้องพูดว่า Rostropovich, Zimerman และ Mutter แสดงให้เห็นถึงความกล้าหาญในระดับแชมป์เปี้ยนอย่างแท้จริง ซึ่งโดยตัวมันเองน่าจะสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ฟังที่เป็นกลาง แม้ว่าเพลงของ Lutoslavsky ในตอนแรกจะดูแปลกหรือแปลกสำหรับเขาก็ตาม อย่างไรก็ตาม Lutoslavsky ซึ่งแตกต่างจากนักแต่งเพลงร่วมสมัยหลายคนพยายามทำให้แน่ใจว่าผู้ฟังเพลงของเขาจะไม่รู้สึกเหมือนเป็นคนแปลกหน้า มันคุ้มค่าที่จะอ้างอิงคำพูดต่อไปนี้จากการรวบรวมบทสนทนาที่น่าสนใจที่สุดของเขากับนักดนตรีชาวมอสโก II Nikolskaya:“ ความปรารถนาอย่างแรงกล้าที่จะใกล้ชิดกับผู้อื่นผ่านงานศิลปะมีอยู่ในตัวฉันตลอดเวลา แต่ฉันไม่ได้ตั้งเป้าหมายว่าจะชนะใจผู้ฟังและผู้สนับสนุนให้ได้มากที่สุด ฉันไม่ต้องการเอาชนะ แต่ฉันต้องการหาผู้ฟังของฉัน หาคนที่รู้สึกแบบเดียวกับฉัน จะบรรลุเป้าหมายนี้ได้อย่างไร? ฉันคิดว่า ด้วยความซื่อสัตย์ทางศิลปะขั้นสูงสุด ความจริงใจของการแสดงออกในทุกระดับ ตั้งแต่รายละเอียดทางเทคนิคไปจนถึงความลับที่สุด ความลึกซึ้งที่ใกล้ชิด ... ดังนั้น ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะยังสามารถทำหน้าที่เป็น "ผู้จับ" จิตวิญญาณของมนุษย์ กลายเป็นยารักษา หนึ่งในโรคที่เจ็บปวดที่สุด - ความรู้สึกเหงา” .

เลวอน ฮาโคเปียน