ปิแอร์ บูเลซ |

ปิแอร์บูเลซ

ในเดือนมีนาคม 2000 Pierre Boulez อายุ 75 ปี ตามคำวิจารณ์ของนักวิจารณ์ชาวอังกฤษคนหนึ่ง ขนาดของการฉลองวันครบรอบและน้ำเสียงของ doxology จะทำให้ตัว Wagner อับอาย: "สำหรับคนนอก ดูเหมือนว่าเรากำลังพูดถึงผู้กอบกู้โลกแห่งดนตรีอย่างแท้จริง"

ในพจนานุกรมและสารานุกรม Boulez ปรากฏเป็น "นักแต่งเพลงและวาทยกรชาวฝรั่งเศส" ไม่ต้องสงสัยเลยว่าส่วนแบ่งของสิงโตแห่งเกียรติยศได้ไปที่ Boulez ซึ่งเป็นผู้ควบคุมวงซึ่งกิจกรรมไม่ได้ลดน้อยลงในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สำหรับ Boulez ในฐานะนักแต่งเพลง ตลอดยี่สิบปีที่ผ่านมาเขาไม่ได้สร้างสิ่งใหม่โดยพื้นฐาน ในขณะเดียวกัน อิทธิพลของงานดนตรีตะวันตกหลังสงครามก็แทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้

ในปี ค.ศ. 1942-1945 บูเลซศึกษากับโอลิวิเยร์ เมสเซียน ซึ่งชั้นเรียนประพันธ์เพลงที่ Paris Conservatory อาจเป็น "ศูนย์บ่มเพาะ" หลักของแนวคิดแนวหน้าในยุโรปตะวันตกที่ได้รับการปลดปล่อยจากลัทธินาซี (ตามหลัง Boulez ซึ่งเป็นเสาหลักอื่นๆ ของวงการเพลงแนวหน้า - Karlheinz Stockhausen, Yannis Xenakis, Jean Barrake, György Kurtág, Gilbert Ami และอื่น ๆ อีกมากมาย) Messiaen ถ่ายทอดความสนใจเป็นพิเศษให้กับ Boulez ในปัญหาของจังหวะและสีของเครื่องดนตรีในวัฒนธรรมดนตรีที่ไม่ใช่ของยุโรปตลอดจนในแนวคิดของรูปแบบที่ประกอบด้วยชิ้นส่วนที่แยกจากกันและไม่ได้หมายความถึงการพัฒนาที่สอดคล้องกัน ที่ปรึกษาที่สองของ Boulez คือ Rene Leibovitz (1913-1972) นักดนตรีชาวโปแลนด์ที่เป็นนักเรียนของ Schoenberg และ Webern นักทฤษฎีที่รู้จักกันดีของเทคนิคอนุกรมสิบสองโทน (dodecaphony); หลังได้รับการยอมรับจากนักดนตรีรุ่นเยาว์ชาวยุโรปในยุคของ Boulez ว่าเป็นการเปิดเผยที่แท้จริงซึ่งเป็นทางเลือกที่จำเป็นอย่างยิ่งต่อหลักคำสอนของเมื่อวาน Boulez ศึกษาวิศวกรรมอนุกรมภายใต้ Leibowitz ในปี 1945–1946 ในไม่ช้าเขาก็เปิดตัวด้วย First Piano Sonata (1946) และ Sonatina for Flute and Piano (1946) ซึ่งเป็นผลงานที่มีขนาดค่อนข้างเจียมเนื้อเจียมตัว ซึ่งสร้างขึ้นตามสูตรของ Schoenberg ผลงานชิ้นแรกๆ ของ Boulez ได้แก่ cantatas The Wedding Face (1946) และ The Sun of the Waters (1948) (ทั้งสองบทโดย René Char กวีแนวเซอร์เรียลลิสต์ที่โดดเด่น), Second Piano Sonata (1948), The Book for String Quartet ( 1949) – ถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลร่วมกันของครูทั้งสอง เช่นเดียวกับ Debussy และ Webern บุคลิกที่สดใสของนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์แสดงออกอย่างแรกในธรรมชาติของดนตรีที่กระสับกระส่ายในพื้นผิวที่ฉีกขาดอย่างประหม่าและความคมชัดแบบไดนามิกและจังหวะที่คมชัดมากมาย

ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 Boulez ออกเดินทางอย่างท้าทายจากโดเดคาโฟนีออร์โธดอกซ์ Schoenbergian ที่ Leibovitz สอนให้เขา ในข่าวร้ายของเขาที่มีต่อหัวหน้าโรงเรียนเวียนนาแห่งใหม่ซึ่งมีชื่อว่า "Schoenberg ตายแล้ว" เขาประกาศว่าเพลงของ Schoenberg มีรากฐานมาจากแนวจินตนิยมตอนปลายและไม่เกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์และมีส่วนร่วมในการทดลองที่รุนแรงใน "โครงสร้าง" ที่เข้มงวดของพารามิเตอร์ต่างๆของดนตรี ในลัทธิหัวรุนแรงแบบเปรี้ยวจี๊ดของเขา บางครั้งเด็กหนุ่ม Boulez ก็ข้ามเส้นของเหตุผลอย่างชัดเจน: แม้แต่ผู้ชมที่ซับซ้อนของเทศกาลดนตรีร่วมสมัยระดับนานาชาติใน Donaueschingen, Darmstadt, Warsaw ยังคงไม่แยแสกับคะแนนที่ย่อยไม่ได้ในช่วงเวลานี้อย่างดีที่สุด "Polyphony -X” สำหรับเครื่องดนตรี 18 ชนิด (1951) และหนังสือเล่มแรกของโครงสร้างสำหรับเปียโนสองตัว (1952/53) Boulez แสดงความมุ่งมั่นอย่างไม่มีเงื่อนไขของเขาต่อเทคนิคใหม่ๆ ในการจัดระเบียบเนื้อหาเสียง ไม่เพียงแต่ในงานของเขา แต่ยังรวมถึงในบทความและคำประกาศด้วย ดังนั้น ในการปราศรัยครั้งหนึ่งของเขาในปี 1952 เขาได้ประกาศว่านักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ที่ไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องมีเทคโนโลยีต่อเนื่อง เพียงแค่ "ไม่มีใครต้องการมัน" อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้าความคิดเห็นของเขาก็อ่อนลงภายใต้อิทธิพลของความคุ้นเคยกับงานของเพื่อนร่วมงานที่ไม่รุนแรงนัก แต่ก็ไม่ได้ดื้อรั้นมากนัก – Edgar Varese, Yannis Xenakis, Gyorgy Ligeti; ต่อมา Boulez เต็มใจแสดงดนตรีของพวกเขา

สไตล์ของ Boulez ในฐานะนักแต่งเพลงได้พัฒนาไปสู่ความยืดหยุ่นที่มากขึ้น ในปีพ.ศ. 1954 จากใต้ปากกาของเขา "A Hammer without a Master" - วงจรเสียงร้องเก้าส่วนสำหรับ contralto, alto flute, xylorimba (xylophone with extended range), vibraphone, percussion, กีตาร์และวิโอลาเป็นคำโดย René Char . ไม่มีตอนใน The Hammer ตามปกติ ในเวลาเดียวกันพารามิเตอร์ทั้งชุดของผ้าที่ทำให้เกิดเสียงของงานถูกกำหนดโดยแนวคิดเรื่องซีเรียลซึ่งปฏิเสธรูปแบบดั้งเดิมของความสม่ำเสมอและการพัฒนาใด ๆ และยืนยันคุณค่าโดยธรรมชาติของช่วงเวลาและจุดของเวลาดนตรี- ช่องว่าง. บรรยากาศเสียงต่ำอันเป็นเอกลักษณ์ของวัฏจักรถูกกำหนดโดยการผสมผสานระหว่างเสียงผู้หญิงต่ำและเครื่องดนตรีที่อยู่ใกล้เคียง (อัลโต) รีจิสเตอร์

ในบางสถานที่ เอฟเฟกต์แปลกตาปรากฏขึ้น ชวนให้นึกถึงเสียงกาเมลันดั้งเดิมของชาวอินโดนีเซีย (วงเพอร์คัชชันออร์เคสตรา) เครื่องสายโคโตะของญี่ปุ่น ฯลฯ อิกอร์ สตราวินสกี้ ผู้ซึ่งชื่นชมงานนี้อย่างสูง ได้เปรียบเทียบบรรยากาศของเสียงกับเสียงของผลึกน้ำแข็งที่กระทบกัน กับถ้วยแก้วติดผนัง Hammer ได้ลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะหนึ่งในคะแนนที่ยอดเยี่ยมที่สุด แน่วแน่ สวยงาม และเป็นแบบอย่างจากยุครุ่งเรืองของ "เปรี้ยวจี๊ดผู้ยิ่งใหญ่"

เพลงใหม่ โดยเฉพาะเพลงที่เรียกกันว่าเปรี้ยวจี๊ด มักถูกตำหนิเพราะขาดทำนอง เกี่ยวกับ Boulez การประณามดังกล่าวถือว่าไม่ยุติธรรมอย่างยิ่ง ความไพเราะอันเป็นเอกลักษณ์ของท่วงทำนองของเขาถูกกำหนดโดยจังหวะที่ยืดหยุ่นและเปลี่ยนแปลงได้ การหลีกเลี่ยงโครงสร้างที่สมมาตรและซ้ำซาก ท่วงทำนองที่เข้มข้นและซับซ้อน ด้วย "โครงสร้าง" ที่มีเหตุผลทั้งหมด แนวเพลงที่ไพเราะของ Boulez จึงไม่แห้งและไร้ชีวิตชีวา แต่เป็นพลาสติกและสง่างาม สไตล์ไพเราะของ Boulez ซึ่งก่อตัวขึ้นในบทประพันธ์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีเพ้อฝันของ René Char ได้รับการพัฒนาใน “Two Improvisations after Mallarmé” สำหรับนักร้องเสียงโซปราโน เพอร์คัชชัน และพิณบนข้อความของโคลงสองตัวโดยนักสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศส (1957) ต่อมาบูเลซได้เพิ่มการด้นสดครั้งที่สามสำหรับนักร้องเสียงโซปราโนและวงออเคสตรา (1959) เช่นเดียวกับขบวนการเบื้องต้นที่เน้นเครื่องดนตรีอย่าง “The Gift” และตอนจบของวงออเคสตราที่ยิ่งใหญ่ด้วยโคดาโคดา “The Tomb” (ทั้งเนื้อร้องโดย Mallarme; 1959–1962) . วัฏจักรการเคลื่อนไหวห้ารอบที่เกิดขึ้นในชื่อ “Pli selon pli” (แปลโดยประมาณว่า “Fold by Fold”) และคำบรรยายว่า “Portrait of Mallarme” ดำเนินการครั้งแรกในปี 1962 ความหมายของชื่อในบริบทนี้มีลักษณะดังนี้: ผ้าคลุมหน้าของนักกวีค่อยๆ ค่อยๆ พับเป็นชิ้นๆ หลุดออกไปพร้อมกับเสียงเพลงที่แผ่ออกมา วัฏจักร "Pli selon pli" ซึ่งใช้เวลาประมาณหนึ่งชั่วโมงยังคงเป็นคะแนนที่ยิ่งใหญ่และยิ่งใหญ่ที่สุดของผู้แต่ง ตรงกันข้ามกับความชอบของผู้เขียน ฉันอยากจะเรียกมันว่า "โวคอลซิมโฟนี": มันสมควรที่จะเป็นชื่อประเภทนี้ ถ้าเพียงเพราะมันมีระบบที่พัฒนาแล้วของการเชื่อมต่อเฉพาะเรื่องดนตรีระหว่างส่วนต่างๆ และอาศัยแกนกลางที่น่าทึ่งและมีประสิทธิภาพมาก

อย่างที่คุณทราบ บรรยากาศที่เข้าใจยากของกวีนิพนธ์ของ Mallarmé มีแรงดึงดูดเป็นพิเศษสำหรับ Debussy และ Ravel

หลังจากจ่ายส่วยให้กับงานด้านสัญลักษณ์และอิมเพรสชั่นนิสต์ของกวีใน The Fold แล้ว Boulez มุ่งเน้นไปที่การสร้างสรรค์ที่น่าอัศจรรย์ที่สุดของเขา - หนังสือที่ยังไม่เสร็จซึ่งตีพิมพ์มรณกรรมซึ่ง "ทุกความคิดคือม้วนกระดูก" และโดยรวมแล้วคล้ายคลึง "การกระเจิงของดวงดาวที่เกิดขึ้นเอง" กล่าวคือ ประกอบด้วยชิ้นส่วนทางศิลปะที่เชื่อมโยงกันภายใน “หนังสือ” ของ Mallarmé ทำให้ Boulez มีแนวคิดเกี่ยวกับรูปแบบมือถือที่เรียกว่าหรือ “งานที่กำลังดำเนินการ” (ในภาษาอังกฤษ – “งานอยู่ในระหว่างดำเนินการ”) ประสบการณ์ประเภทนี้ครั้งแรกในผลงานของ Boulez คือ Third Piano Sonata (1957); ส่วน ("รูปแบบ") และแต่ละตอนภายในส่วนสามารถดำเนินการในลำดับใดก็ได้ แต่รูปแบบใดรูปแบบหนึ่ง ("กลุ่มดาว") ต้องอยู่ตรงกลางอย่างแน่นอน โซนาตาตามมาด้วย Figures-Doubles-Prismes สำหรับวงออเคสตรา (1963), โดเมนสำหรับคลาริเน็ตและเครื่องดนตรีหกกลุ่ม (1961-1968) และผลงานอื่นๆ จำนวนหนึ่งที่ยังคงตรวจสอบและแก้ไขโดยนักแต่งเพลงอย่างต่อเนื่อง เนื่องจากในหลักการแล้ว ไม่สามารถทำได้ หนึ่งในคะแนนไม่กี่เพลงของ Boulez ที่มีรูปแบบที่กำหนดคือ "พิธีกรรม" ครึ่งชั่วโมงอันเคร่งขรึมสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่ (1975) ซึ่งอุทิศให้กับความทรงจำของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลี ครู และผู้ควบคุมวง Bruno Maderna (1920-1973)

ตั้งแต่เริ่มต้นอาชีพการงานของเขา Boulez ได้ค้นพบพรสวรรค์ขององค์กรที่โดดเด่น ย้อนกลับไปในปี 1946 เขารับตำแหน่งผู้อำนวยการดนตรีของโรงละคร Paris Marigny (The'a ^ tre Marigny) นำโดยนักแสดงและผู้กำกับชื่อดัง Jean-Louis Barraud ในปี 1954 ภายใต้การอุปถัมภ์ของโรงละคร Boulez ร่วมกับ German Scherkhen และ Piotr Suvchinsky ได้ก่อตั้งองค์กรคอนเสิร์ต "Domain music" ("The Domain of Music") ซึ่งเขากำกับจนถึงปี 1967 เป้าหมายคือเพื่อส่งเสริมความเก่าแก่และ ดนตรีสมัยใหม่ และวงออเคสตราแชมเบอร์ออเคสตร้าโดเมนดนตรีกลายเป็นแบบจำลองสำหรับวงดนตรีจำนวนมากที่แสดงดนตรีในศตวรรษที่ XNUMX ภายใต้การดูแลของ Boulez และต่อมา Gilbert Amy นักเรียนของเขา วง Domaine Musical orchestra ได้บันทึกผลงานมากมายโดยนักประพันธ์เพลงใหม่ ตั้งแต่ Schoenberg, Webern และ Varese ไปจนถึง Xenakis, Boulez และผู้ร่วมงานของเขาเอง

ตั้งแต่อายุหกสิบเศษ Boulez ได้เพิ่มกิจกรรมของเขาในฐานะผู้ควบคุมโอเปร่าและซิมโฟนีประเภท "ธรรมดา" ที่ไม่เชี่ยวชาญในการแสดงดนตรีโบราณและสมัยใหม่ ดังนั้นผลงานของ Boulez ในฐานะนักแต่งเพลงจึงลดลงอย่างมากและหลังจาก "พิธีกรรม" ก็หยุดลงเป็นเวลาหลายปี เหตุผลหนึ่งสำหรับเรื่องนี้ ควบคู่ไปกับการพัฒนาอาชีพของวาทยกร คือการทำงานอย่างเข้มข้นในองค์กรในกรุงปารีสของศูนย์ดนตรีใหม่ที่ยิ่งใหญ่ นั่นคือสถาบันวิจัยดนตรีและอะคูสติก IRCAM ในกิจกรรมของ IRCAM ซึ่ง Boulez เป็นผู้อำนวยการจนถึงปี 1992 ทิศทางสำคัญสองประการมีความโดดเด่น: การส่งเสริมดนตรีใหม่และการพัฒนาเทคโนโลยีการสังเคราะห์เสียงระดับสูง การดำเนินการสาธารณะครั้งแรกของสถาบันคือการแสดงคอนเสิร์ตดนตรี 70 รอบของศตวรรษที่ 1977 (1992) ที่สถาบันมีกลุ่มการแสดง "Ensemble InterContemporain" ("International Contemporary Music Ensemble") ในช่วงเวลาต่างๆ กัน วงดนตรีนำโดยวาทยากรหลายคน (ตั้งแต่ปี 1982 เดวิด โรเบิร์ตสันชาวอังกฤษ) แต่บูเลซเป็นผู้กำกับศิลป์ที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปทั้งแบบไม่เป็นทางการและกึ่งทางการ ฐานเทคโนโลยีของ IRCAM ซึ่งรวมถึงอุปกรณ์สังเคราะห์เสียงที่ล้ำสมัย พร้อมให้บริการแก่นักประพันธ์เพลงจากทั่วทุกมุมโลก Boulez ใช้มันในงานประพันธ์หลายเรื่อง ซึ่งที่สำคัญที่สุดคือ "Responsorium" สำหรับวงดนตรีบรรเลงและเสียงที่สังเคราะห์ขึ้นบนคอมพิวเตอร์ (1990) ใน XNUMXs โครงการ Boulez ขนาดใหญ่อีกโครงการหนึ่งได้ดำเนินการในปารีส - คอนเสิร์ต Cite' de la musique พิพิธภัณฑ์และศูนย์การศึกษา หลายคนเชื่อว่าอิทธิพลของ Boulez ที่มีต่อดนตรีฝรั่งเศสนั้นยิ่งใหญ่เกินไป ที่ IRCAM ของเขาเป็นสถาบันประเภทนิกายที่ปลูกฝังแนวความคิดของดนตรีที่สูญเสียความเกี่ยวข้องในประเทศอื่น ๆ ไปนานแล้ว นอกจากนี้การปรากฏตัวของ Boulez ในชีวิตดนตรีของฝรั่งเศสที่มากเกินไปยังอธิบายถึงความจริงที่ว่านักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสสมัยใหม่ที่ไม่ได้อยู่ในแวดวง Boulezian รวมถึงผู้ควบคุมวงชาวฝรั่งเศสรุ่นกลางและรุ่นเยาว์ล้มเหลวในการสร้างอาชีพระดับนานาชาติที่มั่นคง แต่อย่างไรก็ตาม บูเลซมีชื่อเสียงและมีอำนาจมากพอที่จะเพิกเฉยต่อการโจมตีที่สำคัญ ทำงานของเขาต่อไป หรือหากคุณต้องการ ดำเนินตามนโยบายของเขา

หากในฐานะนักแต่งเพลงและนักดนตรี Boulez กระตุ้นทัศนคติที่ยากลำบากต่อตัวเอง จากนั้น Boulez ในฐานะผู้ควบคุมวงสามารถเรียกได้ว่าเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่งของอาชีพนี้อย่างมั่นใจในประวัติศาสตร์ทั้งหมดของการดำรงอยู่ Boulez ไม่ได้รับการศึกษาพิเศษเกี่ยวกับเทคนิคการแสดงเขาได้รับคำแนะนำจากวาทยกรรุ่นก่อนซึ่งอุทิศให้กับสาเหตุของดนตรีใหม่ - Roger Desormière, Herman Scherchen และ Hans Rosbaud (ต่อมาเป็นนักแสดงคนแรกของ "The Hammer without a อาจารย์” และสองคนแรก “ด้นสดตาม Mallarme”) แตกต่างจากวาทยกร "ดารา" อื่น ๆ เกือบทั้งหมดในปัจจุบัน Boulez เริ่มเป็นล่ามของดนตรีสมัยใหม่ โดยส่วนใหญ่เป็นตัวเขาเองและ Messiaen ครูของเขา เพลงคลาสสิกของศตวรรษที่ยี่สิบเพลงของเขาถูกครอบงำโดยเพลง Debussy, Schoenberg, Berg, Webern, Stravinsky (ยุครัสเซีย), Varese, Bartok การเลือก Boulez มักไม่ได้ถูกกำหนดโดยความใกล้ชิดทางจิตวิญญาณกับผู้เขียนคนหนึ่งหรืออีกคนหนึ่งหรือความรักในดนตรีนี้หรือเพลงนั้น แต่โดยการพิจารณาลำดับการศึกษาที่มีวัตถุประสงค์ ตัวอย่างเช่น เขายอมรับอย่างเปิดเผยว่าในผลงานของ Schoenberg มีงานที่เขาไม่ชอบ แต่ถือว่าเป็นหน้าที่ของเขาที่จะต้องแสดง เพราะเขาตระหนักดีถึงความสำคัญทางประวัติศาสตร์และศิลปะของงานเหล่านั้นอย่างชัดเจน อย่างไรก็ตาม ความอดทนดังกล่าวไม่ได้ครอบคลุมถึงผู้แต่งทุกคนที่มักจะรวมอยู่ในคลาสสิกของเพลงใหม่: Boulez ยังคงถือว่า Prokofiev และ Hindemith เป็นผู้แต่งเพลงอันดับสอง และ Shostakovich ก็ยังเป็นอันดับสามอีกด้วย (ยังไงก็ตาม บอกโดย ID Glikman ในหนังสือ "จดหมายถึงเพื่อน" เรื่องราวของการที่ Boulez จูบมือของ Shostakovich ในนิวยอร์กนั้นไม่มีหลักฐานจริง ๆ แล้วไม่น่าจะใช่ Boulez แต่ Leonard Bernstein คนรักที่รู้จักกันดีในท่าทางการแสดงละครดังกล่าว)

หนึ่งในช่วงเวลาสำคัญในชีวประวัติของ Boulez ในฐานะวาทยกรคือการผลิตโอเปร่า Wozzeck ของ Alban Berg ที่ Paris Opera (1963) ที่ประสบความสำเร็จอย่างสูง การแสดงนี้นำแสดงโดย Walter Berry และ Isabelle Strauss ที่ยอดเยี่ยม บันทึกเสียงโดย CBS และพร้อมให้ผู้ฟังสมัยใหม่ใช้แผ่นดิสก์ Sony Classical การแสดงโอเปร่าในป้อมปราการแห่งการอนุรักษ์ซึ่งถือเป็นโรงละครแกรนด์โอเปร่าซึ่งถือเป็นโรงละครแกรนด์โอเปราซึ่งถือว่ายังค่อนข้างใหม่และแปลกใหม่ในเวลานั้นนั้นค่อนข้างแปลกใหม่และได้ตระหนักถึงแนวคิดที่เขาโปรดปรานในการบูรณาการการปฏิบัติทางวิชาการและการแสดงสมัยใหม่ จากที่นี่ อาจกล่าวได้ว่า บูเลซเริ่มต้นอาชีพการเป็น Kapellmeister ประเภท "ธรรมดา" ในปี 1966 Wieland Wagner หลานชายของนักแต่งเพลง ผู้อำนวยการโอเปร่าและผู้จัดการที่รู้จักในแนวความคิดนอกรีตและมักขัดแย้งกัน เชิญ Boulez ไปที่ Bayreuth เพื่อดำเนินการ Parsifal อีกหนึ่งปีต่อมา ในการทัวร์คณะไบรอยท์ในญี่ปุ่น Boulez ดำเนินการ Tristan und Isolde (มีการบันทึกวิดีโอของการแสดงนี้นำแสดงโดยคู่สามีภรรยา Wagner ที่เป็นแบบอย่างในปี 1960 Birgit Nilsson และ Wolfgang Windgassen; Legato Classics LCV 005, 2 VHS; 1967) .

จนกระทั่งปี 1978 บูเลซกลับมาที่ไบรอยท์ซ้ำแล้วซ้ำเล่าเพื่อแสดงปาร์ซิฟาล และจุดสุดยอดของอาชีพไบรอยท์ของเขาคือวันครบรอบ (ในวันครบรอบ 100 ปีของการแสดงรอบปฐมทัศน์) การผลิตแดร์ริงเดนิเบลุงเกนในปี 1976; สื่อทั่วโลกโฆษณาการผลิตนี้อย่างกว้างขวางว่าเป็น "แหวนแห่งศตวรรษ" ในไบรอยท์ Boulez ดำเนินการ tetralogy ในอีกสี่ปีข้างหน้าและการแสดงของเขา (ในทิศทางที่เร้าใจของ Patrice Chereau ผู้ซึ่งพยายามปรับปรุงการกระทำให้ทันสมัย) ถูกบันทึกลงในแผ่นดิสก์และเทปวิดีโอโดย Philips (12 CD: 434 421-2 – 434 432-2 ; 7 VHS: 070407-3; 1981)

อายุเจ็ดสิบในประวัติศาสตร์ของโอเปร่าถูกทำเครื่องหมายโดยเหตุการณ์สำคัญอื่นที่ Boulez เกี่ยวข้องโดยตรง: ในฤดูใบไม้ผลิของปี 1979 บนเวที Paris Opera ภายใต้การดูแลของเขารอบปฐมทัศน์โลกของเวอร์ชันสมบูรณ์ของโอเปร่า Lulu ของ Berg เกิดขึ้น (อย่างที่ทราบกันดีว่าเบิร์กเสียชีวิตโดยปล่อยให้ส่วนใหญ่ขององก์ที่สามของโอเปร่าเป็นภาพร่าง งานเกี่ยวกับการจัดวางของพวกเขาซึ่งเป็นไปได้หลังจากการตายของหญิงม่ายของเบิร์กเท่านั้นดำเนินการโดยนักแต่งเพลงและวาทยากรชาวออสเตรีย ฟรีดริช เซอร์ฮา) การผลิตของ Shero ยังคงอยู่ในรูปแบบอีโรติกที่ซับซ้อนตามปกติสำหรับผู้กำกับคนนี้ ซึ่งเหมาะกับโอเปร่าของ Berg อย่างยิ่งกับนางเอกไฮเปอร์เซ็กชวล

นอกจากผลงานเหล่านี้แล้ว ละครโอเปร่าของ Boulez ยังรวมถึง Pelléas et Mélisande ของ Debussy, ปราสาท Duke Bluebeard ของ Bartók, Moses ของ Schoenberg และ Aaron การไม่มี Verdi และ Puccini ในรายการนี้เป็นเครื่องบ่งชี้ ไม่ต้องพูดถึง Mozart และ Rossini หลายครั้งที่ Boulez ได้แสดงทัศนคติเชิงวิพากษ์วิจารณ์แนวโอเปร่าดังกล่าวซ้ำแล้วซ้ำเล่า เห็นได้ชัดว่ามีบางสิ่งที่มีอยู่ในตัวผู้ควบคุมโอเปร่าที่แท้จริงโดยกำเนิดนั้นต่างจากธรรมชาติทางศิลปะของเขา การบันทึกโอเปร่าของ Boulez มักสร้างความประทับใจที่คลุมเครือ: ด้านหนึ่ง พวกเขารู้จักคุณลักษณะ "เครื่องหมายการค้า" ดังกล่าวของสไตล์ของ Boulez ว่าเป็นจังหวะที่สูงสุด การจัดแนวความสัมพันธ์ทั้งหมดอย่างระมัดระวังในแนวตั้งและแนวนอน ชัดเจนผิดปกติ ข้อต่อที่ชัดเจนแม้ในเนื้อสัมผัสที่ซับซ้อนที่สุด กองกับที่อื่น ๆ คือการเลือกนักร้องบางครั้งเห็นได้ชัดว่าออกจากที่ต้องการมาก การบันทึกเสียงในสตูดิโอของ "Pelléas et Mélisande" ซึ่งดำเนินการในช่วงปลายทศวรรษ 1960 โดย CBS มีลักษณะเฉพาะ: บทบาทของPelléas ซึ่งมีไว้สำหรับบาริโทนสูงแบบฝรั่งเศสโดยทั่วไป ที่เรียกว่า baritone-Martin (ตามหลังนักร้อง J.-B มาร์ติน ค.ศ. 1768 –1837) ด้วยเหตุผลบางอย่างได้รับความไว้วางใจให้มีความยืดหยุ่นแต่ค่อนข้างไม่เพียงพอกับบทบาทของเขา จอร์จ เชอร์ลี่ย์อายุมาก ศิลปินเดี่ยวหลักของ "Ring of the Century" - Gwyneth Jones (Brünnhilde), Donald McIntyre (Wotan), Manfred Jung (Siegfried), Jeannine Altmeyer (Sieglinde), Peter Hoffman (Siegmund) - เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป แต่ไม่มีอะไรเพิ่มเติม: พวกเขาขาดบุคลิกลักษณะที่สดใส สามารถพูดได้เหมือนกันเกี่ยวกับตัวเอกของ "Parsifal" ซึ่งบันทึกไว้ใน Bayreuth ในปี 1970 - James King (Parsifal), McIntyre (Gurnemanz) และ Jones (Kundry) คนเดียวกัน Teresa Stratas เป็นนักแสดงและนักดนตรีที่โดดเด่น แต่เธอไม่ได้สร้างข้อความสีที่ซับซ้อนใน Lulu ด้วยความแม่นยำเสมอไป ในเวลาเดียวกัน เราไม่สามารถพลาดที่จะสังเกตทักษะการร้องและดนตรีที่ยอดเยี่ยมของผู้เข้าร่วมในการบันทึกเสียงครั้งที่สองของ "ปราสาท Duke Bluebeard" ของ Bartok ซึ่งสร้างโดย Boulez – Jesse Norman และ Laszlo Polgara (DG 447 040-2; 1994)

ก่อนที่จะเป็นผู้นำ IRCAM และ Entercontamporen Ensemble Boulez เคยเป็นหัวหน้าผู้ควบคุมวง Cleveland Orchestra (1970–1972), British Broadcasting Corporation Symphony Orchestra (1971–1974) และ New York Philharmonic Orchestra (1971–1977) กับวงดนตรีเหล่านี้ เขาได้บันทึกเสียงให้กับซีบีเอสเป็นจำนวนมาก ซึ่งปัจจุบันคือ Sony Classical ซึ่งหลายรายการมีคุณค่าที่ยั่งยืนโดยไม่มีการพูดเกินจริง ประการแรกสิ่งนี้ใช้กับคอลเล็กชั่นงานออร์เคสตราของ Debussy (ในสองแผ่น) และ Ravel (ในสามแผ่น)

ในการตีความของ Boulez เพลงนี้โดยไม่สูญเสียสิ่งใดในแง่ของความสง่างาม ความนุ่มนวลของการเปลี่ยนภาพ ความหลากหลายและการปรับแต่งของสีแบบเสียงต่ำ เผยให้เห็นความโปร่งใสของคริสตัลและความบริสุทธิ์ของเส้น และในบางสถานที่ยังมีแรงกดเป็นจังหวะที่ไม่ย่อท้อและการหายใจแบบไพเราะที่กว้าง ผลงานชิ้นเอกของศิลปะการแสดงอย่างแท้จริง ได้แก่ การบันทึกเสียง The Wonderful Mandarin, Music for Strings, Percussion and Celesta, Bartók's Concerto for Orchestra, Five Pieces for Orchestra, Serenade, Schoenberg's Orchestral Variations และเพลงบางเพลงของ Stravinsky (อย่างไรก็ตาม Stravinsky เอง) ไม่ค่อยพอใจกับการบันทึก The Rite of Spring ก่อนหน้านี้ โดยแสดงความคิดเห็นดังนี้: “นี่มันแย่กว่าที่ฉันคาดไว้ รู้มาตรฐานของ Maestro Boulez ในระดับสูง”), Varese's América and Arcana, วงออเคสตราทั้งหมดของ Webern ...

เช่นเดียวกับครู Hermann Scherchen ของเขา Boulez ไม่ได้ใช้กระบองและประพฤติตัวในลักษณะที่ยับยั้งชั่งใจอย่างจงใจทำเป็นธุรกิจ ซึ่งควบคู่ไปกับชื่อเสียงของเขาในการเขียนคะแนนที่เย็นชา กลั่นกรอง และคำนวณทางคณิตศาสตร์ ดึงความคิดเห็นยอดนิยมของเขาในฐานะนักแสดงอย่างหมดจด โกดังที่มีวัตถุประสงค์ มีความสามารถและเชื่อถือได้ แต่ค่อนข้างแห้ง การประเมินดังกล่าวไม่เพียงพอต่อขนาดของของขวัญของบูเลซ ในฐานะผู้นำของวงออเคสตราเหล่านี้ Boulez ไม่ได้แสดงเฉพาะ Wagner และดนตรีของศตวรรษที่ 4489 เท่านั้น แต่ยังรวมถึง Haydn, Beethoven, Schubert, Berlioz, Liszt... ตัวอย่างเช่น บริษัท Memories ได้เปิดตัว Schumann's Scenes จาก Faust (HR 90/7) ซึ่งแสดงเมื่อเดือนมีนาคม 1973, 425 ในลอนดอนโดยมีส่วนร่วมของ BBC Choir and Orchestra และ Dietrich Fischer-Dieskau ในบทบาทนำ (อีกไม่นาน ก่อนหน้านี้นักร้องแสดงและ "อย่างเป็นทางการ" บันทึก Faust ที่ บริษัท Decca (705 2-1972; XNUMX) ภายใต้การดูแลของ Benjamin Britten - ผู้ค้นพบจริงในปลายศตวรรษที่ XNUMX นี้คุณภาพไม่สม่ำเสมอ แต่ในบางสถานที่ คะแนนชูมานน์ที่ยอดเยี่ยม) ห่างไกลจากคุณภาพที่เป็นแบบอย่างของการบันทึกไม่ได้ป้องกันเราจากการชื่นชมความยิ่งใหญ่ของแนวคิดและความสมบูรณ์แบบของการดำเนินการ ผู้ฟังได้แต่อิจฉาผู้โชคดีที่มาลงเอยที่คอนเสิร์ตในเย็นวันนั้นเท่านั้น ปฏิสัมพันธ์ระหว่าง Boulez และ Fischer-Dieskau - นักดนตรี ดูเหมือนจะแตกต่างกันมากในแง่ของพรสวรรค์ - ทำให้ไม่มีอะไรเป็นที่ต้องการ ฉากการตายของเฟาสต์ฟังดูน่าสมเพชที่สุดและคำว่า "Verweile doch, du bist so schon" ("โอ้คุณช่างวิเศษเหลือเกินรอสักหน่อย!" – แปลโดย B. Pasternak) ภาพลวงตา ของเวลาที่หยุดนิ่งได้สำเร็จอย่างน่าอัศจรรย์

ในฐานะหัวหน้าของ IRCAM และ Ensemble Entercontamporen Boulez ให้ความสำคัญกับเพลงล่าสุดเป็นอย่างมาก

นอกจากงานของ Messiaen และผลงานของเขาเองแล้ว เขายังเต็มใจรวมเพลงของ Elliot Carter, György Ligeti, György Kurtág, Harrison Birtwistle นักแต่งเพลงอายุน้อยในแวดวง IRCAM ไว้ในรายการของเขาด้วย เขาเป็นและยังคงสงสัยเกี่ยวกับความเรียบง่ายที่ทันสมัยและ "ความเรียบง่ายใหม่" เมื่อเปรียบเทียบกับร้านอาหารฟาสต์ฟู้ด: "สะดวก แต่ไม่น่าสนใจเลย" การวิจารณ์ดนตรีร็อคสำหรับลัทธิดั้งเดิม สำหรับ "ความคิดเหมารวมและความคิดโบราณที่ไร้สาระ" เขายังคงตระหนักถึง "ความมีชีวิตชีวา" ที่ดีต่อสุขภาพ ในปี 1984 เขายังบันทึกกับ Ensemble Entercontamporen ในแผ่นดิสก์ "The Perfect Stranger" พร้อมดนตรีโดย Frank Zappa (EMI) ในปี 1989 เขาเซ็นสัญญาพิเศษกับ Deutsche Grammophon และอีกสองปีต่อมาก็ออกจากตำแหน่งอย่างเป็นทางการในฐานะหัวหน้า IRCAM เพื่ออุทิศตนอย่างเต็มที่ในการแต่งเพลงและการแสดงในฐานะวาทยกรรับเชิญ ที่ Deutsche Grammo-phon Boulez ได้ออกคอลเลกชันใหม่ของดนตรีออร์เคสตราโดย Debussy, Ravel, Bartok, Webburn (ร่วมกับ Cleveland, Berlin Philharmonic, Chicago Symphony และ London Symphony Orchestras); ยกเว้นคุณภาพของการบันทึก พวกเขาไม่มีทางเหนือกว่าสิ่งพิมพ์ CBS ก่อนหน้านี้ นวนิยายที่โดดเด่น ได้แก่ Poem of Ecstasy, Piano Concerto และ Prometheus โดย Scriabin (นักเปียโน Anatoly Ugorsky เป็นศิลปินเดี่ยวในสองผลงานที่ผ่านมา); I, IV-VII และ IX ซิมโฟนีและ "Song of the Earth" ของ Mahler; ซิมโฟนีของ Bruckner VIII และ IX; “ดังนั้นพูด Zarathustra” โดย R. Strauss ใน Mahler ของ Boulez อุปมาอุปมัย ความประทับใจจากภายนอก อาจอยู่เหนือการแสดงออกและความปรารถนาที่จะเปิดเผยส่วนลึกของอภิปรัชญา การบันทึกเสียงซิมโฟนีที่แปดของ Bruckner ซึ่งแสดงร่วมกับ Vienna Philharmonic ระหว่างการเฉลิมฉลองของ Bruckner ในปี 1996 นั้นมีสไตล์มากและไม่ได้ด้อยไปกว่าการตีความของ "Brucknerians" ที่เกิดในแง่ของการสร้างเสียงที่น่าประทับใจ ความยิ่งใหญ่ของจุดสุดยอด ความสมบูรณ์ของแนวไพเราะ ความคลั่งไคล้ใน scherzo และการไตร่ตรองอย่างประเสริฐใน adagio ในเวลาเดียวกัน Boulez ล้มเหลวในการทำปาฏิหาริย์และทำให้แผนผังของรูปแบบของ Bruckner ราบรื่นขึ้น ความสำคัญของลำดับและการทำซ้ำของ Ostinato อย่างไร้ความปราณี น่าแปลกที่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Boulez ได้ทำให้ทัศนคติที่เป็นปฏิปักษ์ในอดีตของเขาอ่อนลงอย่างเห็นได้ชัดต่อบทประพันธ์ "นีโอคลาสสิก" ของสตราวินสกี หนึ่งในแผ่นดิสก์ล่าสุดของเขา ได้แก่ Symphony of Psalms และ Symphony in Three Movements (กับ Berlin Radio Choir และ Berlin Philharmonic Orchestra) มีความหวังว่าขอบเขตความสนใจของอาจารย์จะยังคงขยายตัวต่อไป และใครจะรู้ บางทีเราอาจยังคงได้ยินผลงานของ Verdi, Puccini, Prokofiev และ Shostakovich ที่ดำเนินการโดยเขา

เลวอน ฮาโคเปียน, 2001