วงออเคสตรา |

จากออร์เคสตรากรีก - เวทีกลมครึ่งวงกลมต่อมาของโรงละครโบราณที่ซึ่งการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะการขับร้องของโศกนาฏกรรมและความตลกขบขันร้องเพลงส่วนของพวกเขาจาก orxeomai - ฉันเต้นรำ

กลุ่มนักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรีต่าง ๆ ที่มีไว้สำหรับการแสดงร่วมกันของผลงานดนตรี

จนถึงเซอร์ ศตวรรษที่ 18 คำว่า "โอ้" เข้าใจในสมัยโบราณ เกี่ยวข้องกับตำแหน่งของนักดนตรี (Walther, Lexikon, 1732) เฉพาะในผลงานของ I. Matttheson "Rediscovered Orchestra" ("Das neu-eröffnete Orchestre", 1713) คำว่า "O" พร้อมกับความหมายเดิมที่ได้มาซึ่งความหมายใหม่ สมัยใหม่ถูกกำหนดโดย JJ Rousseau ในพจนานุกรมดนตรี (Dictionnaire de la musique, 1767)

หลักการจำแนกประเภท O. มีหลายประการ: หลักการหลักคือการแบ่งประเภทของ O. ตามคำแนะนำ องค์ประกอบ. แยกแยะระหว่างองค์ประกอบแบบผสม รวมถึงเครื่องดนตรีของกลุ่มต่างๆ (ไพเราะ O., estr. O.) และเครื่องดนตรีที่เป็นเนื้อเดียวกัน (เช่น วงเครื่องสาย, วงดนตรีทองเหลือง, เครื่องเพอร์คัชชันโอ.) องค์ประกอบที่เป็นเนื้อเดียวกันมีการแบ่งแยกของตัวเอง ตัวอย่างเช่น เครื่องสายอาจประกอบด้วยเครื่องดนตรีที่โค้งคำนับหรือดึงออก ในลม O. องค์ประกอบที่เป็นเนื้อเดียวกันมีความโดดเด่น - องค์ประกอบทองแดง ("แก๊ง") หรือผสมด้วยการเพิ่มของลมไม้บางครั้งกระทบ หลักการจำแนกประเภทของดร. มาจากการนัดหมายในรำพึง ฝึกฝน. มีตัวอย่างเช่น วงดนตรีทหาร estr. O. O. ชนิดพิเศษมีตัวแทนมากมาย. แนท ตระการตาและ O. Nar. เครื่องดนตรีทั้งที่เป็นเนื้อเดียวกันในองค์ประกอบ (domrovy O. ) และมิกซ์ (โดยเฉพาะ Neapolitan orchestra ซึ่งประกอบด้วยแมนโดลินและกีตาร์ taraf) บางคนกลายเป็นมืออาชีพ (Great Russian Orchestra สร้างโดย VV Andreev เครื่องดนตรีพื้นบ้าน O. Uzbek จัดโดย AI Petrosyants และอื่น ๆ ) สำหรับ อ.แนท เครื่องดนตรีของแอฟริกาและอินโดนีเซียมีลักษณะเฉพาะด้วยการประพันธ์ที่มีอิทธิพลเหนือการกระทบเช่น gamelan, O. กลอง, O. ไซโลโฟน ในประเทศแถบยุโรป รูปแบบการร่วมทุนสูงสุด การแสดงกลายเป็นไพเราะ O. ประกอบด้วยเครื่องคำนับ ลม และเครื่องเพอร์คัชชัน ทุกส่วนของสตริงจะดำเนินการในซิมโฟนี O. โดยทั้งกลุ่ม (นักดนตรีอย่างน้อยสองคน); O. นี้แตกต่างจาก instr. วงดนตรีที่นักดนตรีแต่ละคนเล่น otd งานสังสรรค์.

ประวัติของซิมโฟนี O. มีอายุย้อนไปถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 กลุ่มเครื่องมือขนาดใหญ่มีอยู่ก่อนหน้านี้ - ในสมัยโบราณ ยุคกลาง ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ในศตวรรษที่ 15-16 ในการเฉลิมฉลอง คดีถูกรวบรวม adv. วงดนตรี to-rye รวมเครื่องดนตรีทุกตระกูล: สายโค้งคำนับและดึง, เครื่องเป่าลมไม้และทองเหลือง, คีย์บอร์ด อย่างไรก็ตามจนถึงวันที่ 17 ค. ไม่มีการแสดงตระการตาเป็นประจำ การแสดงดนตรีถูกกำหนดเวลาเพื่อเฉลิมฉลองและงานอื่น ๆ รูปลักษณ์ภายนอกของโอ. ความหมายของคำมีความเกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 แนวเพลงแนวใหม่ เช่น โอเปร่า oratorio กระทะเดี่ยว คอนเสิร์ตซึ่ง O. เริ่มทำหน้าที่ในการบรรเลงประกอบเสียงร้อง ในเวลาเดียวกัน กลุ่มเช่น O. มักมีชื่ออื่น ใช่ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลงแย้ง 16 – ขอ ศตวรรษที่ 17 ส่วนใหญ่มักแสดงโดยคำว่า "คอนเสิร์ต" (เช่น "Concerti di voci e di stromenti" y M. Galliano), "chapel", "choir" เป็นต้น

การพัฒนาของ O. ถูกกำหนดโดยหลาย ๆ คน วัสดุและศิลปะ ปัจจัย. ในหมู่พวกเขามี 3 สิ่งที่สำคัญที่สุด: วิวัฒนาการของผี เครื่องดนตรี (การประดิษฐ์ของใหม่, การปรับปรุงของเก่า, การหายตัวไปของเครื่องดนตรีที่ล้าสมัยจากการปฏิบัติทางดนตรี), การพัฒนาของออร์ค การแสดง (วิธีการเล่นใหม่, ตำแหน่งของนักดนตรีบนเวทีหรือในหลุมผี, การจัดการของ O.) ซึ่งประวัติศาสตร์ของพวกผีเองเชื่อมโยงกัน กลุ่มและในที่สุดการเปลี่ยนแปลงในผี นักแต่งเพลงจิตใจ ดังนั้นในประวัติศาสตร์ของ O. สุนทรียศาสตร์ของวัสดุและดนตรีจึงเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด ส่วนประกอบ ดังนั้นเมื่อพิจารณาชะตากรรมของ O. เราไม่ได้หมายถึงประวัติของเครื่องมือหรือ ork มากนัก รูปแบบ กี่องค์ประกอบวัสดุของการพัฒนาของ O. ประวัติของ O. ในเรื่องนี้แบ่งออกเป็นสามช่วงเวลา: O. จากประมาณ 1600 ถึง 1750; ก. ชั้น 2 18 – ขอ ศตวรรษที่ 20 (ประมาณก่อนเริ่มสงครามโลกครั้งที่ 1 1914-18); O. ศตวรรษที่ 20 (หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง).

อ.ในสมัยที่ 17 – ชั้น 1 ศตวรรษที่ 18 จากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา O. ได้สืบทอดเครื่องมือที่หลากหลายในแง่ของการเลือกเสียงต่ำและ tessitura หลักการที่สำคัญที่สุดของการจำแนกผี เครื่องมือในต้นศตวรรษที่ 17 ได้แก่ 1) หมวดเครื่องมือทางกายภาพ ธรรมชาติของร่างกายที่ส่งเสียงเป็นสายและลม เสนอโดย A. Agazzari และ M. Pretorius; หลังยังแยกกลองออก อย่างไรก็ตาม ตามคำกล่าวของพริทอเรียส การเชื่อมโยง ตัวอย่างเช่น เครื่องสายรวมถึงเครื่องดนตรีทั้งหมด “ด้วยเครื่องสายที่ยืดออก” ไม่ว่าจะมีความแตกต่างกันเพียงใดในการผลิตเสียงต่ำและเสียง - ไวโอลิน ไวโอลิน พิณ พิณ พิณ ทรัมเป็ต โมโนคอร์ด คลาวิคอร์ด , cembalo ฯลฯ 2) การแยกเครื่องมือภายในประเภทเดียวกันตาม tessitura ที่กำหนดโดยขนาด นี่คือที่มาของเครื่องดนตรีที่เป็นเนื้อเดียวกัน โดยปกติแล้วจะมี 4 สายพันธุ์ ซึ่งบางครั้งมี tessitura มากกว่าที่สอดคล้องกับเสียงของมนุษย์ (โซปราโน อัลโต เทเนอร์ เบส) นำเสนอในตารางเครื่องดนตรีในส่วนที่ 2 ของ “รหัสวิทยาศาสตร์ดนตรี” (“Syntagma musicum” ตอนที่ II, 1618) นักแต่งเพลงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พวกเขาจึงแยกตระกูลเครื่องสาย ลม และเครื่องกระทบ ในบรรดาตระกูลเครื่องสาย ได้แก่ ไวโอลิน (เสียงแหลม อัลโต เบสขนาดใหญ่ ดับเบิลเบส พันธุ์พิเศษ – ไวโอลิน ดามัวร์ บาริโทน วิโอลาไอ้เลว) พิณ (รวมถึงดา บรักซิโอ) ไวโอลิน (เสียงแหลม 4 สาย , เทเนอร์, เบส, ภาษาฝรั่งเศส 3 สาย – pochette เสียงแหลมขนาดเล็กที่ปรับให้สูงขึ้นในอันดับที่สี่), lutes (lute, theorbo, archilute เป็นต้น) เครื่องดนตรีขลุ่ย (กลุ่มของขลุ่ยตามยาว) เป็นเรื่องธรรมดาในเครื่องดนตรีประเภทลม เครื่องมือที่มีกกคู่: ขลุ่ย (ในหมู่พวกเขาเป็นกลุ่มของระเบิดจากเบสปอมเมอร์ไปยังท่อเสียงแหลม), เขาคดเคี้ยว – krummhorns; เครื่องมือฝังเข็ม: สังกะสีไม้และกระดูก ทรอมโบนย่อยสลาย ขนาดท่อ; เครื่องเพอร์คัชชัน (กลองทิมปานี ชุดระฆัง ฯลฯ) Wok-instr. แนวความคิดของนักประพันธ์เพลงในศตวรรษที่ 17 ที่ยึดหลัก tessitura อย่างมั่นคง เสียงและเครื่องดนตรีทั้งหมดของ tessitura เสียงแหลม เช่นเดียวกับเครื่องดนตรีของ alto, tenor และ bass tessitura ถูกรวมเข้าด้วยกัน (ส่วนของพวกเขาถูกบันทึกในบรรทัดเดียว)

คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของการเกิดขึ้นใกล้จะถึงศตวรรษที่ 16-17 สไตล์ homophonic เช่นเดียวกับ homophonic-polyphonic ตัวอักษร (JS Bach, GF Handel และนักประพันธ์เพลงอื่น ๆ ) กลายเป็น basso ต่อ (ดู General bass); ในเรื่องนี้ควบคู่ไปกับความไพเราะ เสียงและเครื่องดนตรี (ไวโอลิน วิโอลา เครื่องดนตรีลมต่างๆ) ปรากฏว่า กลุ่มต่อเนื่อง เครื่องมือองค์ประกอบเปลี่ยนไป แต่ฟังก์ชัน (การแสดงเสียงเบสและความกลมกลืนของรูปหลายเหลี่ยมที่มาพร้อมกัน) ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนาโอเปร่า (เช่น โรงเรียนโอเปร่าของอิตาลี) กลุ่มคอนติเนนโอรวมถึงออร์แกน เซมบาโล พิณ ธีออร์โบ และพิณ ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 17 จำนวนเครื่องมือในนั้นลดลงอย่างรวดเร็ว ในสมัยของบาคฮันเดลนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส ดนตรีคลาสสิกจำกัดอยู่เพียงเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ด (ในดนตรีคริสตจักร - ออร์แกน สลับกับ cembalo ในประเภทฆราวาส - หนึ่งหรือสอง cembalos บางครั้งเป็น theorbo ในโอเปร่า) และเบส - เชลโล ดับเบิลเบส (Violono) มักจะเป็น บาสซูน

สำหรับ อ.ชั้น 1 ศตวรรษที่ 17 โดดเด่นด้วยความไม่แน่นอนขององค์ประกอบที่เกิดจากหลายสาเหตุ หนึ่งในนั้นคือการแก้ไขประเพณียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในการเลือกและจัดกลุ่มเครื่องดนตรี เครื่องมือวัดได้รับการปรับปรุงอย่างมาก พวกเขาออกจากเพลง การเล่นพิณ, วิโอล, การแทนที่ด้วยไวโอลิน - เครื่องดนตรีที่มีโทนเสียงที่เข้มกว่า ในที่สุดลูกระเบิดก็หลีกทางให้บาสซูนที่พัฒนามาจากเบสพอมเมอร์และโอโบที่สร้างขึ้นใหม่จากท่อเสียงแหลม สังกะสีหายไป ขลุ่ยตามยาวจะถูกแทนที่โดยขลุ่ยขวางที่มีพลังเสียงเกิน จำนวนพันธุ์ tessitura ลดลง อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ไม่ได้สิ้นสุดแม้แต่ในศตวรรษที่ 18 ตัวอย่างเช่น เครื่องสายเช่น violino piccolo, violoncello piccolo เช่นเดียวกับ lute, viola da gamba, viol d'amour มักปรากฏในวงออเคสตราของ Bach

ดร. สาเหตุของความไม่เสถียรขององค์ประกอบคือการเลือกเครื่องมือแบบสุ่มในโฆษณา โรงอุปรากรหรือวิหาร ตามกฎแล้ว นักแต่งเพลงไม่ได้แต่งเพลงสำหรับการเรียบเรียงที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปและมีเสถียรภาพ แต่สำหรับการแต่งเพลงของ O. ที่กำหนดไว้ โรงละครหรือ priv. โบสถ์ แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 17 บนหน้าชื่อเพลง มักมีคำจารึกไว้ว่า “buone da cantare et suonare” (“เหมาะสำหรับร้องเพลงและเล่น”) บางครั้งในคะแนนหรือในหน้าชื่อองค์ประกอบที่มีอยู่ในโรงละครนี้ได้รับการแก้ไขเช่นเดียวกับในกรณีของ Orfeo โอเปร่าของ Monteverdi (1607) ซึ่งเขาเขียนให้ศาล โรงละครในมันตัว

เปลี่ยนเครื่องมือที่เกี่ยวข้องกับสุนทรียศาสตร์ใหม่ คำขอมีส่วนทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงภายใน องค์กร O. การรักษาเสถียรภาพของ ork ทีละน้อย การแต่งเพลงดำเนินไปตามแนวต้นกำเนิดของความทันสมัยเป็นหลัก เราแนวคิดของออร์ค กลุ่มที่รวมเครื่องมือที่เกี่ยวข้องกับเสียงต่ำและไดนามิก คุณสมบัติ. ความแตกต่างของกลุ่มเครื่องสายที่โค้งคำนับเสียงเหมือนเสียง - ไวโอลินที่มีขนาดต่างกัน - เกิดขึ้นเป็นหลักในการฝึกฝนการแสดง (เป็นครั้งแรกในปี 1610 ในโอเปร่าการโค้งคำนับของชาวปารีส "24 Violins of the King") ในปี ค.ศ. 1660-85 รอยัลชาเปลแห่งชาร์ลส์ที่ 24 ได้รับการจัดตั้งขึ้นในลอนดอนตามแบบฉบับของปารีส ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ประกอบด้วยไวโอลิน XNUMX ชิ้น

การตกผลึกของกลุ่มเครื่องสายที่ไม่มีไวโอลินและลูท (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) เป็นชัยชนะที่สำคัญที่สุดของโอเปร่าในศตวรรษที่ 17 ซึ่งสะท้อนให้เห็นในความคิดสร้างสรรค์ของโอเปร่าเป็นหลัก โอเปร่า Dido และ Aeneas (1689) ของ Purcell ถูกเขียนขึ้นสำหรับพิณโค้งคำนับพร้อมคอนติเนนโด การเพิ่มเครื่องดนตรีลมสามชนิด ได้แก่ Cadmus and Hermione โดย Lully (1673) กลุ่มเครื่องเป่าลมไม้และทองเหลืองยังไม่เป็นรูปเป็นร่างในแบบบาโรก แม้ว่าเครื่องเป่าลมไม้หลักทั้งหมด นอกเหนือไปจากคลาริเน็ต (ขลุ่ย โอโบ บาสซูน) ได้ถูกนำมาใช้ในเพลงของ O แล้ว ในบทเพลงของ JB Lully วงลมทั้งสาม มักจะระบุไว้: โอโบ 2 อัน (หรือ 2 ขลุ่ย) และบาสซูน และในโอเปร่าของเอฟราโม (“Castor and Pollux, 1737) เป็นกลุ่มกังหันลมที่ไม่สมบูรณ์: ฟลุต โอโบ บาสซูน ในวงออเคสตราของ Bach การดึงดูดโดยธรรมชาติของเขาต่อเครื่องดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17 ยังส่งผลต่อการเลือกเครื่องดนตรีประเภทลม: มีการใช้โอโบพันธุ์เก่า – โอโบ ดามอร์, โอโบ ดา คาเซีย (ต้นแบบแตรอังกฤษสมัยใหม่) ร่วมกับปี่หรือ 2 ขลุ่ยและปี่ การผสมผสานของเครื่องดนตรีทองเหลืองยังพัฒนาจากวงดนตรีประเภทเรอเนซองส์ (เช่น สังกะสีและทรอมโบน 3 ตัวใน Concertus Sacri ของ Scheidt) ไปจนถึงกลุ่มเครื่องเป่าทองเหลือง (3 ทรัมเป็ตและทิมปานีใน Bach's Magnificat ทรัมเป็ต 3 ตัวที่มีทิมปานีและแตรในคันทาทาของเขาเอง ลำดับที่ 205). ปริมาณ. องค์ประกอบของ O. ยังไม่เป็นรูปเป็นร่างในขณะนั้น สตริง กลุ่มนี้บางครั้งมีขนาดเล็กและไม่สมบูรณ์ ในขณะที่การเลือกเครื่องมือลมมักจะสุ่ม (ดูตารางที่ 1)

ตั้งแต่ชั้น 1 แผนกศตวรรษที่ 18 ได้ดำเนินการ การแต่งเพลงที่เกี่ยวข้องกับการทำงานทางสังคมของดนตรีสถานที่แสดงผู้ชม การแบ่งองค์ประกอบออกเป็นโบสถ์ โอเปร่า และคอนเสิร์ตยังเกี่ยวข้องกับแนวคิดของรูปแบบโบสถ์ โอเปร่า และห้องแชมเบอร์ การเลือกและจำนวนเครื่องดนตรีในแต่ละองค์ประกอบยังคงผันผวนอย่างมาก อย่างไรก็ตาม โอเปร่าโอเปร่า ( oratorios ของฮันเดลยังแสดงอยู่ในโรงอุปรากร) มักจะอิ่มตัวด้วยเครื่องลมมากกว่าคอนเสิร์ต ในการเชื่อมต่อกับดิฟ ในสถานการณ์สมมติพร้อมกับเครื่องสาย ขลุ่ยและโอโบ ทรัมเป็ตและทิมปานี ทรอมโบนมักปรากฏอยู่ในนั้น (ในฉากนรกใน Orpheus ของ Monteverdi มีการใช้สังกะสีและทรอมโบนทั้งมวล) มีการแนะนำขลุ่ยขนาดเล็กเป็นครั้งคราว (“Rinaldo” โดย Handel); ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 17 แตรจะปรากฏขึ้น ไปโบสถ์. O. จำเป็นต้องรวมออร์แกนด้วย (ในกลุ่มคอนติเนนโตหรือเป็นเครื่องดนตรีคอนเสิร์ต) ไปโบสถ์. O. ใน op. บาคพร้อมกับเครื่องสาย, เครื่องเป่าลมไม้ (ฟลุต, โอโบ) บางครั้งก็มีท่อที่มีกลองทิมปานี, เขา, ทรอมโบน, เพิ่มเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงเป็นสองเท่า (cantata No 21) เช่นเดียวกับในโบสถ์ดังนั้นในโอเปร่าสิ่งมีชีวิต บทบาทนี้เล่นโดยเครื่องดนตรีบังคับ (ดูภาระผูกพัน) ที่มาพร้อมกับการร้องเพลงเดี่ยว: ไวโอลิน, เชลโล, ขลุ่ย, โอโบ ฯลฯ

การจัดคอนเสิร์ตของ อ. ล้วนแล้วแต่สถานที่และธรรมชาติของการเล่นดนตรี สำหรับงานเฉลิมฉลอง โฆษณา พิธีบาโรก (พิธีบรมราชาภิเษก งานแต่งงาน) ในวิหารพร้อมกับพิธีกรรม เพลงฟัง instr. คอนเสิร์ตและการประโคมที่ดำเนินการโดยศาล นักดนตรี

ฆราวาส คอนเสิร์ตจัดขึ้นทั้งในโรงอุปรากรและในที่โล่ง - ที่งานแสดง, ขบวน, ดอกไม้ไฟ, "บนน้ำ" เช่นเดียวกับในห้องโถงของปราสาทหรือพระราชวังของครอบครัว คอนเสิร์ตทุกประเภทเหล่านี้ต้องใช้ธันวาคม องค์ประกอบ O. และจำนวนนักแสดง ใน “Music for Fireworks” โดย Handel แสดงที่ Green Park ในลอนดอนเมื่อวันที่ 27 เมษายน 1749 เฉพาะเสียงลมและเครื่องเพอร์คัชชันเท่านั้น (เครื่องดนตรีขั้นต่ำ 56 ชิ้น); ในเวอร์ชันคอนเสิร์ตแสดงอีกหนึ่งเดือนต่อมาที่โรงพยาบาล Foundling นักแต่งเพลงนอกเหนือจาก 9 แตร 9 เขา 24 โอโบ 12 บาสซูน 6 เพอร์คัชชันยังใช้เครื่องสาย ในการพัฒนาคอนแทคจริง O. บทบาทที่ยิ่งใหญ่ที่สุดเล่นโดยประเภทของยุคบาโรกเช่นคอนแชร์โตกรอสโซ, คอนแชร์โต้เดี่ยว, ออร์ค ห้องชุด การพึ่งพาผู้แต่งขึ้นอยู่กับองค์ประกอบที่มีอยู่ซึ่งมักจะมีขนาดเล็กก็สังเกตเห็นได้ที่นี่เช่นกัน อย่างไรก็ตาม แม้จะอยู่ในกรอบนี้ นักแต่งเพลงมักจะกำหนดงานพิเศษและงานเสียงต่ำที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบแชมเบอร์ของคอนเสิร์ตแบบโฮโมโฟนิก-โพลีโฟนิก พื้นฐาน เหล่านี้คือ 1721 Brandenburg Concertos แห่ง Bach (XNUMX) ซึ่งแต่ละงานมีองค์ประกอบเฉพาะของศิลปินเดี่ยวและนักแสดงเดี่ยว ซึ่งแสดงโดย Bach ในบางกรณีผู้แต่งระบุการย่อยสลาย รูปแบบขององค์ประกอบโฆษณา libitum (A. Vivaldi)

สิ่งมีชีวิต. โครงสร้างของวงออเคสตราของยุคบาโรกได้รับอิทธิพลจากหลักการของดนตรีหลายคณะประสานเสียง (ในความหมายสมัยใหม่) แนวคิดเรื่องการเทียบเคียงเชิงพื้นที่ของเสียงถูกนำมาใช้ในศตวรรษที่ 17 จากคณะนักร้องประสานเสียง โพลีโฟนีแอนตี้โฟนีแห่งศตวรรษที่ 16 ที่ตั้งคณะนักร้องประสานเสียงหลายแห่ง และคำแนะนำ โบสถ์ในคณะนักร้องประสานเสียงของมหาวิหารขนาดใหญ่สร้างผลกระทบของการแบ่งพื้นที่ของเสียงอึกทึก การปฏิบัตินี้เริ่มใช้กันอย่างแพร่หลายในมหาวิหารเซนต์มาร์กในเวนิสซึ่ง G. Gabrieli ทำงานอยู่ เธอก็คุ้นเคยกับ G. Schutz ที่เรียนกับเขา เช่นเดียวกับ S. Scheidt และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ การแสดงอันสุดโต่งของประเพณีของคณะนักร้องประสานเสียงหลายคณะ จดหมายฉบับนี้ดำเนินการในปี ค.ศ. 1628 ในมหาวิหารซาลซ์บูร์กโดย O. Benevoli ซึ่งเป็นงานรื่นเริงซึ่งต้องใช้คณะนักร้องประสานเสียง 8 คณะ (ตามโคตรมี 12 คน) ผลกระทบของแนวคิด multi-choir ไม่เพียงสะท้อนให้เห็นในลัทธิโพลีโฟนิกเท่านั้น ดนตรี (Matthew Passion ของ Bach เขียนขึ้นสำหรับ 2 นักร้องประสานเสียงและ 2 โอเปร่า) แต่ยังอยู่ในประเภทฆราวาส หลักการของคอนแชร์โต้ กรอสโซ คือการแบ่งกลุ่มนักแสดงทั้งหมดออกเป็นสองกลุ่มที่ไม่เท่ากันซึ่งทำการย่อยสลาย ฟังก์ชัน: คอนแชร์ติโน – กลุ่มศิลปินเดี่ยวและคอนแชร์โต้ กรอสโซ (คอนแชร์โต้ใหญ่) – กลุ่มที่มาพร้อมกัน ถูกนำมาใช้ใน O. oratorio, โอเปร่า (ฮันเดล) ด้วย

ลักษณะนิสัยของนักดนตรี O. ในยุค 1600-1750 สะท้อนถึงแนวโน้มที่กล่าวมาทั้งหมด เท่าที่แผนภาพที่นักทฤษฎีของศตวรรษที่ 18 ให้ไว้และการแกะสลักช่วยให้เราตัดสินได้ ตำแหน่งของนักดนตรี O. แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากที่ใช้ในภายหลัง ที่พักของนักดนตรีในโรงอุปรากร ห้องโถงหรือวิหารต้องการวิธีแก้ปัญหาเฉพาะบุคคล ศูนย์กลางของโอเปร่าคือแชมบาโลของหัวหน้าวงและเบสเครื่องสายที่อยู่ใกล้ๆ นั่นคือเชลโลและดับเบิลเบส ทางด้านขวาของหัวหน้าวงดนตรีคือเครื่องสาย เครื่องดนตรี ด้านซ้ายคือเครื่องเป่าลม (เครื่องเป่าลมไม้และแตร) ซึ่งรวบรวมไว้ใกล้กับเครื่องที่สอง ประกอบกับ cembalo สตริงก็อยู่ที่นี่เช่นกัน เบส, ทฤษฎีออร์โบ, บาสซูน ซึ่งร่วมกับเซมบาโลที่สองรวมกันเป็นกลุ่มคอนติเนนโอ

ที่ตั้งของนักดนตรีในวงออเคสตราโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 (จากหนังสือ: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, p. 134)

ความลึก (ด้านขวา) สามารถวางท่อและกลองกลองได้ ในการจัดองค์ประกอบคอนเสิร์ต ศิลปินเดี่ยวอยู่เบื้องหน้าใกล้กับหัวหน้าวงดนตรี ซึ่งมีส่วนทำให้เกิดความสมดุลของความไพเราะ ความเฉพาะเจาะจงของการจัดที่นั่งดังกล่าวคือการผสมผสานที่ใช้งานได้ของเครื่องดนตรีที่สร้างคอมเพล็กซ์เสียงที่แยกจากกันหลายชั้น: 2 กลุ่มคอนติเนนโต, กลุ่มคอนแชร์ติโนในคอนแชร์โต้, บางครั้งในโอเปร่า, กลุ่มคอนทราสต์ขนาดใหญ่ 2 กลุ่ม (เครื่องสาย, กลุ่มไม้) ประมาณ 2 เซมบาลอส . โครงสร้างดังกล่าวจำเป็นต้องมีการจัดการแบบหลายขั้นตอน นักแสดงส่วนหนึ่งตามแชมบาโลที่ร่วมด้วย โอโดยรวม ตามแชมบาโลของหัวหน้าวง วิธีการควบคุมแบบคู่ยังใช้กันอย่างแพร่หลาย (ดู การดำเนินการ)

ก. ชั้น 2 18 – ขอ ศตวรรษที่ 20 O. ช่วงเวลานี้ครอบคลุมการสลายตัวดังกล่าว ปรากฏการณ์โวหารเช่นโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา, แนวโรแมนติก, การเอาชนะความโรแมนติก เทรนด์อิมเพรสชันนิสม์และหลาย ๆ อย่างไม่เหมือนกันซึ่งมีของตัวเอง วิวัฒนาการของโรงเรียนแห่งชาติมีลักษณะเฉพาะด้วยกระบวนการเดียว นี่คือการพัฒนาของออร์ค อุปกรณ์ที่เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับการแบ่งพื้นผิวที่ชัดเจนในแนวตั้งบนพื้นฐานของฮาร์โมโฟนิก กำลังคิด พบการแสดงออกในโครงสร้างการทำงานของออร์ค ผ้า (เน้นฟังก์ชั่นของท่วงทำนอง, เบส, ความกลมกลืนที่ยั่งยืน, ออร์คเหยียบ, ความแตกต่าง, ตัวเลขในนั้น) รากฐานของกระบวนการนี้วางอยู่ในยุคของชาวเวียนนา คลาสสิก ในตอนท้ายของมัน ออร์คถูกสร้างขึ้น เครื่องมือ (ทั้งในแง่ขององค์ประกอบของเครื่องมือและองค์กรการทำงานภายใน) ซึ่งกลายเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการพัฒนาต่อไปของแนวโรแมนติกและนักแต่งเพลงในรัสเซีย โรงเรียน

สัญญาณที่สำคัญที่สุดของวุฒิภาวะคือโฮโมโฟนิกฮาร์โมนิก แนวโน้มในออร์ค แนวความคิดทางดนตรี – เหี่ยวเฉาในไตรมาสที่ 3 กลุ่มเบสโซคอนติเนนโตในศตวรรษที่ 18 หน้าที่ประกอบของ cembalo และออร์แกนขัดแย้งกับบทบาทที่เพิ่มขึ้นของออร์คที่เหมาะสม ความสามัคคี. ออร์คต่างดาวมากขึ้นเรื่อยๆ ผู้ร่วมสมัยยังจินตนาการถึงเสียงต่ำของฮาร์ปซิคอร์ด อย่างไรก็ตาม ในแนวเพลงใหม่ - ซิมโฟนี - เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่ทำหน้าที่เบสคอนติเนนโต (เคมบาโล) ยังคงเป็นเรื่องธรรมดา - ในซิมโฟนีบางเพลงของโรงเรียนมันไฮม์ (J. Stamitz, A. Fils, K. Cannabih) ในช่วงต้น ซิมโฟนีของ J. Haydn ไปโบสถ์. ในวงการเพลง ฟังก์ชันเบสโซคอนติเนนโตมีมาจนถึงยุค 90 ศตวรรษที่ 18 (บังสุกุลของ Mozart, มวลของ Haydn)

ในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวเวียนนาคลาสสิก ทางโรงเรียนกำลังทบทวนการแบ่งแยกองค์ประกอบของโบสถ์ โรงละคร และห้องต่างๆ ของ O ตั้งแต่ต้น ศตวรรษที่ 19 คำว่า "คริสตจักรโอ" จริง ๆ แล้วเลิกใช้งาน คำว่า "ห้อง" เริ่มใช้กับวงดนตรีเพื่อต่อต้านออร์ค ประสิทธิภาพ. ในเวลาเดียวกัน ความแตกต่างระหว่างโอเปร่าและคอนเสิร์ตตระการตาก็มีความสำคัญมาก หากองค์ประกอบของโอเปร่า O. มีอยู่แล้วในคริสต์ศตวรรษที่ 18 โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์และหลากหลายของเครื่องมือแล้วคอนซีจริง การแต่งเพลงรวมถึงแนวเพลงของซิมโฟนีและคอนแชร์โต้เดี่ยวนั้นอยู่ในวัยทารกซึ่งลงท้ายด้วยแอล. เบโธเฟนเท่านั้น

การตกผลึกขององค์ประกอบของ O. ดำเนินไปพร้อมกับการต่ออายุเครื่องมือวัด ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 18 เนื่องจากการเปลี่ยนแปลงในสุนทรียศาสตร์ อุดมคติจากดนตรี การปฏิบัติหายไป เครื่องดนตรี – ทฤษฎีออร์บอส, ไวโอลิน, โอโบ ดามอร์, ขลุ่ยตามยาว เครื่องมือใหม่ได้รับการออกแบบมาเพื่อเพิ่มความสมบูรณ์ของเสียงต่ำและระดับ tessitura ของ O ความแพร่หลายในโอเปร่าในยุค 80 ศตวรรษที่ 18 ได้รับคลาริเน็ตที่ออกแบบ (ค. 1690) โดย I. Denner การนำคลาริเน็ตมาสู่ซิมโฟนี O. จบลงด้วยการเริ่มต้น. ศตวรรษที่ 19 การก่อตัวของจิตวิญญาณไม้ กลุ่ม เขาบาสเซท (corno di bassetto) ซึ่งเป็นคลาริเน็ตหลากหลายชนิด รอดมาได้ในช่วงเวลาสั้นๆ แห่งความเจริญรุ่งเรือง ในการค้นหาจิตวิญญาณที่ต่ำต้อย นักแต่งเพลงเบสหันไปหา contrabassoon (Haydn's oratorio)

ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงยังคงขึ้นอยู่กับองค์ประกอบที่มีอยู่ของ O โดยตรง โดยปกติองค์ประกอบของเพลงคลาสสิคยุคแรก อ. 1760-70s. ลดเหลือ 2 โอโบ 2 เขาและสาย ไม่เป็นเอกภาพในยุโรป O. และจำนวนเครื่องดนตรีในสาย กลุ่ม โฆษณา O. ในกรมมีมากกว่า 12 สาย เครื่องดนตรีก็ถือว่าใหญ่ อย่างไรก็ตามมันอยู่ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 18 ที่เกี่ยวข้องกับการทำให้เป็นประชาธิปไตยของดนตรี ชีวิตความต้องการองค์ประกอบที่มั่นคงของ O. เพิ่มขึ้น ณ เวลานี้ค่าคงที่ใหม่ O., pl. ซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลาย: O. "Spiritual Concerts" (คอนเสิร์ต spirituel) ในปารีส, O. Gewandhaus ในไลพ์ซิก (1781), คอนเสิร์ต O. Ob-va ของเรือนกระจกในปารีส (1828) (ดูตารางที่ 2)

ในรัสเซียขั้นตอนแรกในการสร้าง O. เกิดขึ้นในครึ่งหลังเท่านั้น คริสต์ศตวรรษที่ 2 ในปี ค.ศ. 17 เกี่ยวเนื่องกับการสร้างค. t-ra ไปมอสโกได้รับเชิญจากต่างประเทศ นักดนตรี แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 1672 ปีเตอร์ฉันแนะนำดนตรีกองร้อยในรัสเซีย (ดูเพลงทหาร) ในยุค 18 ศตวรรษที่ 30 กับรัสเซีย ชีวิตโรงละครและคอนเสิร์ตพัฒนาขึ้นในลานบ้าน ในปี ค.ศ. 18 มีการจัดตั้งศาลแห่งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก O.ประกอบด้วยต่างประเทศ. นักดนตรี (มีนักเรียนรัสเซียกับเขาด้วย) วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องสาย ขลุ่ย บาสซูน วงดนตรีทองเหลืองที่ไม่มีทรอมโบน กลองทิมปานี และคลาวี-ชามบาลอส (รวมไม่เกิน 1731 คน) ในปี ค.ศ. 40 ชาวอิตาลีได้รับเชิญไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คณะโอเปร่านำโดยเอฟ. อารยา รัสเซียเล่นใน O. adv. นักดนตรี ในชั้น 1735 คริสต์ศตวรรษที่ 2 อ. แบ่งออกเป็น 18 กลุ่ม คือ “นักดนตรีหน้ากล้องของ อ.รุ่นแรก” (ตามรัฐ 2-1791 คน, นักดนตรีเค. Canobbio) และ "นักดนตรี O. คนที่สองเป็นห้องบอลรูมเดียวกัน" (47 คน, นักดนตรี VA Pashkevich) O. คนแรกเกือบทั้งหมดเป็นชาวต่างชาติ คนที่สองมาจากรัสเซีย นักดนตรี เสิร์ฟเป็นที่แพร่หลาย บางคนมีความเป็นมืออาชีพสูง วงออเคสตราของ NP Sheremetev (ที่ดินของ Ostankino และ Kuskovo นักดนตรี 43 คน) ได้รับชื่อเสียงอย่างมาก

ในความเห็นอกเห็นใจ ในที่สุดงานของแอล. เบโธเฟนก็ตกผลึก "คลาสสิก" หรือ "เบโธเวเนีย" องค์ประกอบของซิมโฟนี A: เครื่องสาย, องค์ประกอบคู่ของลมไม้ (2 ขลุ่ย, 2 โอโบ, 2 ปี่, 2 บาสซูน), 2 (3 หรือ 4) เขา, 2 ทรัมเป็ต, 2 กลองกลอง (ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 2 ถูกจัดเป็นขนาดเล็ก สัญลักษณ์องค์ประกอบ O.) ด้วยการแสดงซิมโฟนีที่ 19 (9) เบโธเฟนได้วางรากฐานสำหรับองค์ประกอบขนาดใหญ่ (ในความหมายสมัยใหม่) ของซิมโฟนี A: เครื่องสาย, เครื่องเป่าลมไม้พร้อมเครื่องดนตรีเพิ่มเติม (1824 ขลุ่ยและขลุ่ยเล็ก, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต 2 อัน, บาสซูน 2 อันและคอนทราบาสซูน), 2 เขา, 4 ทรัมเป็ต, 2 ทรอมโบน (ใช้ครั้งแรกในตอนจบของซิมโฟนีที่ 3), กลอง , สามเหลี่ยม , ฉาบ , กลองเบส. เกือบจะในเวลาเดียวกัน (5) 1822 ทรอมโบนยังถูกใช้ใน "Unfinished Symphony" ของ F. Schubert ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 3 ที่เกี่ยวข้องกับสถานการณ์บนเวทีรวมถึงเครื่องมือที่ไม่รวมอยู่ในคอน องค์ประกอบของสัญลักษณ์ A: piccolo, contrabassoon ในกลุ่มเครื่องเคาะจังหวะนอกจากกลองทิมปานีแล้ว ฟังก์ชั่น, สมาคมถาวรปรากฏขึ้น, ส่วนใหญ่มักจะใช้ในตอนตะวันออก (ที่เรียกว่าตุรกีหรือ "เพลง Janissary"): กลองเบส, ฉาบ, สามเหลี่ยม, บางครั้งกลองบ่วง (“ Iphigenia in Tauris” โดย Gluck, “ การลักพาตัวจาก Seraglio” โดย Mozart) . ในแผนก ในบางกรณี ระฆังปรากฏขึ้น (Glcckenspiel, Mozart's Magic Flute), tam-toms (Gosseca's Funeral March for the Death of Mirabeau, 18)

ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยการปรับปรุงที่รุนแรงของจิตวิญญาณ เครื่องมือที่ขจัดข้อบกพร่องเช่นน้ำเสียงเท็จขาดสี ตาชั่งของเครื่องดนตรีทองเหลือง ขลุ่ยและวิญญาณไม้อื่น ๆ ในภายหลัง เครื่องมือดังกล่าวได้รับการติดตั้งกลไกวาล์ว (การประดิษฐ์ของ T. Boehm) แตรและท่อตามธรรมชาติได้รับการติดตั้งกลไกวาล์วซึ่งทำให้มาตราส่วนของพวกมันเป็นสี ในยุค 30 A. Sachs ปรับปรุงเบสคลาริเน็ตและออกแบบเครื่องดนตรีใหม่ (แซกโซโฟน, แซกโซโฟน)

แรงผลักดันใหม่ในการพัฒนาของ O. มาจากความโรแมนติก ด้วยความเฟื่องฟูของรายการเพลง ทิวทัศน์ และมหัศจรรย์ องค์ประกอบในโอเปร่า การค้นหาผีมาก่อน สีและละคร การแสดงออกของเสียงต่ำ ในเวลาเดียวกัน คีตกวี (KM Weber, P. Mendelssohn, P. Schubert) ในขั้นต้นยังคงอยู่ในกรอบขององค์ประกอบคู่ของโอเปร่า (ในโอเปร่าที่เกี่ยวข้องกับความหลากหลาย: ขลุ่ยเล็ก ๆ แตรอังกฤษ ฯลฯ ) การใช้ทรัพยากรของ O. อย่างประหยัดนั้นมีอยู่ใน MI Glinka Coloristic ความมั่งคั่งของ O. ของเขาทำได้โดยใช้สตริง กลุ่มลมและคู่ (พร้อมเครื่องมือเพิ่มเติม); เขาติดทรอมโบนกับเขาและท่อ (3, ไม่ค่อย 1) G. Berlioz ได้ใช้ขั้นตอนชี้ขาดในการใช้ความเป็นไปได้ใหม่ของ O.. นำเสนอความต้องการที่เพิ่มขึ้นสำหรับละคร สเกลของเสียง Berlioz ขยายองค์ประกอบของ O อย่างมีนัยสำคัญ ใน Fantastic Symphony (1830) เขาได้เพิ่มสตริง กลุ่มที่ระบุจำนวนนักแสดงในคะแนน: ไวโอลินอย่างน้อย 15 ตัวแรกและ 15 วินาที, วิโอลา 10 ตัว, เชลโล 11 ตัว, ดับเบิลเบส 9 ตัว ในโอเปอเรเตอร์นี้ ในการเชื่อมต่อกับโปรแกรมที่เน้นย้ำของเขา นักแต่งเพลงย้ายออกจากความแตกต่างที่เข้มงวดในอดีตระหว่างโอเปร่าและคอนเสิร์ต องค์ประกอบโดยป้อนสัญลักษณ์ O. ดังนั้นลักษณะเฉพาะในสี เครื่องมือวางแผนเป็นภาษาอังกฤษ แตร, คลาริเน็ตขนาดเล็ก, พิณ (2), ระฆัง ขนาดของกลุ่มทองแดงเพิ่มขึ้น นอกเหนือจากเขา 4 เขา แตร 2 ตัว และทรอมโบน 3 ตัว รวมคอร์เน็ต-a-piston 2 อัน และ ophicleides 2 อัน (ต่อมาถูกแทนที่ด้วยทูบา)

งานของ R. Wagner กลายเป็นยุคในประวัติศาสตร์ของ O. Koloristich การค้นหาและพยายามหาความหนาแน่นของพื้นผิวที่มีอยู่แล้วใน Lohengrin ทำให้ orc เพิ่มขึ้น มากถึงสามองค์ประกอบ (โดยปกติ 3 ขลุ่ยหรือ 2 ขลุ่ยและขลุ่ยขนาดเล็ก 3 โอโบหรือ 2 โอโบและฮอร์นอังกฤษ 3 ตัวหรือคลาริเน็ต 2 ตัวและเบสคลาริเน็ต 3 บาสซูนหรือ 2 บาสซูนและคอนทราบาสซูน 4 เขา 3 ทรัมเป็ต 3 ทรอมโบน, เบสทูบา, กลอง, เครื่องสาย) ในยุค 1840 การสร้างความทันสมัยเสร็จสมบูรณ์ กลุ่มทองแดง ซึ่งรวมถึง 4 เขา แตร 2-3 ตัว ทรอมโบน 3 ตัว และทูบา (เปิดตัวครั้งแรกโดย Wagner ในเฟาสต์ทาบทามและในโอเปร่าTannhäuser) ใน “วงแหวนแห่งนิเบลุง” อ. กลายเป็นสมาชิกที่สำคัญที่สุดของรำพึง ละคร. บทบาทนำของเสียงต่ำในลักษณะ leitmotif และการค้นหาละคร การแสดงออกและพลวัต พลังของเสียงกระตุ้นให้ผู้แต่งแนะนำมาตราส่วนเสียงต่ำที่ต่างกันออกไปใน O. (โดยการเพิ่ม tessitura ของเครื่องดนตรีลมและท่อที่ทำจากไม้) องค์ประกอบของ O. จึงเพิ่มขึ้นเป็นสี่เท่า แว็กเนอร์เสริมกำลังกลุ่มทองแดงด้วยแตรฝรั่งเศสสี่แตร (หรือ “วากเนอร์”) ที่ออกแบบตามคำสั่งของเขา (ดูทูบา) ความต้องการของผู้แต่งเกี่ยวกับเทคนิคออร์คอัจฉริยะได้เพิ่มขึ้นอย่างมาก นักดนตรี

เส้นทางที่กำหนดโดย Wagner (บางส่วนต่อโดย A. Bruckner ในประเภทซิมโฟนี) ไม่ใช่เส้นทางเดียว พร้อมกันในงานของ I. Brahms, J. Bizet, S. Frank, G. Verdi ท่ามกลางนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซีย ทางโรงเรียนกำลังพัฒนาแนวการประสานเสียงแบบ "คลาสสิก" และคิดทบทวนความโรแมนติกอีกจำนวนหนึ่ง แนวโน้ม ในวงออเคสตราของ PI Tchaikovsky การค้นหาทางจิตวิทยา การแสดงออกของเสียงต่ำรวมกับการใช้ ork อย่างประหยัด กองทุน ปฏิเสธการขยายออร์ค อุปกรณ์ในซิมโฟนี (องค์ประกอบคู่ มักจะรวมถึง 3 ขลุ่ย) นักแต่งเพลงในโปรแกรมเท่านั้นในโอเปร่าและบัลเลต์ในภายหลังหันไปเสริม สีออร์ค จานสี (เช่น ฮอร์นอังกฤษ, เบสคลาริเน็ต, พิณ, เซเลสตาใน The Nutcracker) ในงานของ NA Rimsky-Korsakov งานอื่น ๆ นั้นยอดเยี่ยมมาก การระบายสี ภาพทำให้ผู้แต่งใช้กันอย่างแพร่หลาย (โดยไม่ต้องไปไกลกว่าองค์ประกอบสามคู่และสามเท่า) ทั้งเสียงต่ำหลักและลักษณะเฉพาะของอาหารเสริม O. K มีการเพิ่มคลาริเน็ตขนาดเล็ก ขลุ่ยอัลโตและทรัมเป็ตในเครื่องดนตรี จำนวนเครื่องเคาะที่มีฟังก์ชั่นการตกแต่งและการตกแต่งเพิ่มขึ้น คีย์บอร์ดถูกนำมาใช้ (ตามประเพณี Glinka – fp. เช่นเดียวกับออร์แกน) การตีความวงดนตรีโดย NA Rimsky-Korsakov ซึ่งเป็นลูกบุญธรรมของรัสเซีย นักแต่งเพลงรุ่นน้อง (AK Glazunov, AK Lyadov, IF Stravinsky ในช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์) มีอิทธิพลในขอบเขตของ orc สีสันและผลงานของชาวยุโรปตะวันตก ผู้แต่ง – O. Respighi, M. Ravel.

บทบาทสำคัญในการพัฒนาความคิดแบบเสียงต่ำในศตวรรษที่ 20 วงออร์เคสตราของ C. Debussy เล่น การเพิ่มความสนใจไปที่สีนำไปสู่การถ่ายโอนฟังก์ชันของชุดรูปแบบไปยังส่วนแยก แรงจูงใจหรือพื้นหลังพื้นผิวและสีสัน องค์ประกอบของผ้ารวมถึงความเข้าใจในฟอนนิช ด้าน O. เป็นฟอร์มแฟคเตอร์ แนวโน้มเหล่านี้กำหนดความแตกต่างที่ละเอียดอ่อนของผี ใบแจ้งหนี้

การพัฒนาต่อไปของแนวโน้ม Waggerian นำไปสู่ช่วงปลายศตวรรษที่ 19-20 สู่การก่อตัวในการทำงานของนักประพันธ์เพลงหลายคน (G. Mahler, R. Strauss; Rimsky-Korsakov ใน Mlada, AN Scriabin และ Stravinsky ใน The Rite of Spring) ของสิ่งที่เรียกว่า super-orchestra – ขยายตัวเมื่อเทียบกับ องค์ประกอบสี่เท่าของ O. Mahler และ Scriabin ได้ใช้องค์ประกอบทางออร์เคสตราที่ยิ่งใหญ่เพื่อแสดงมุมมองโลกทัศน์ของพวกเขา แนวคิด สุดยอดของแนวโน้มนี้คือนักแสดง องค์ประกอบของซิมโฟนีที่ 8 ของมาห์เลอร์ (นักร้องเดี่ยว 8 คน, คณะนักร้องประสานเสียง 2 คน, คณะนักร้องประสานเสียงชาย, วงดนตรีซิมโฟนีโอขนาดใหญ่ห้าเพลงพร้อมสายเสริม, เครื่องเคาะและตกแต่งจำนวนมาก, รวมทั้งออร์แกน)

เครื่องเพอร์คัชชันในศตวรรษที่ 19 ไม่ได้สร้างความสัมพันธ์ที่มั่นคง ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 กลุ่มเครื่องเคาะจังหวะได้ขยายตัวขึ้นอย่างเห็นได้ชัด นอกจากกลองทิมปานีแล้ว ยังมีกลองขนาดใหญ่และบ่วง กลอง ฉาบ สามเหลี่ยม แคสทาเนต ทอม-ทอม ระฆัง กล็อคเกนสปีล ระนาด พิณ (1 และ 2), เซเลสตา, เปียโนฟอร์เตและออร์แกนมักรวมอยู่ในโอใหญ่ น้อยกว่า - "เครื่องดนตรีสำหรับโอกาส": สั่น, เครื่องทำลม, แผ่นเสียง ฯลฯ ตรงกลาง และคอน ออร์คใหม่ในศตวรรษที่ 19 ยังคงก่อตัวขึ้น ตระการตา: New York Philharmonic Orchestra (1842); คอลัมน์วงออเคสตราในปารีส (1873); วงออเคสตราของ Wagner Festival ใน Bayreuth (1876); บอสตันออเคสตรา (1881); วงออเคสตรา Lamoureux ในปารีส (1881); Court Orchestra (“Court Musical Choir”) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (1882; ปัจจุบันคือ Academic Symphony of O. Leningrad Philharmonic)

ในศตวรรษที่ 19 O. ตรงกันข้ามกับ O. แห่งยุคบาโรก monochoirism มีชัย อย่างไรก็ตามในเพลงของ Berlioz นักร้องประสานเสียงหลายคนพบแอปพลิเคชั่นอีกครั้ง ใน Tuba mirum จาก "Requiem" ของ Berlioz ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับซิมโฟนีขนาดใหญ่ชุดใหญ่ O. นักแสดงแบ่งออกเป็น 5 กลุ่ม: ซิมโฟนี ก. และเครื่องดนตรีทองแดง 4 กลุ่ม ตั้งอยู่ตรงมุมพระอุโบสถ ในโอเปร่า (เริ่มต้นด้วย Don Giovanni ของ Mozart) แนวโน้มดังกล่าวก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน: O. "บนเวที", "หลังเวที", เสียงของนักร้องและ instr. โซโล "หลังเวที" หรือ "ชั้นบน" (วากเนอร์) ความหลากหลายของพื้นที่ ตำแหน่งของนักแสดงพบการพัฒนาในวงออเคสตราของ G. Mahler

ในการจัดที่นั่งของนักดนตรี O. ที่ชั้น 2 ศตวรรษที่ 18 และแม้กระทั่งในศตวรรษที่ 19 ส่วนที่คงสภาพไว้บางส่วนคือการแยกส่วนและการแยกส่วนเชิงซ้อนของเสียงต่ำ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของ Baroque O. อย่างไรก็ตาม ในปี ค.ศ. 1775 IF Reichardt ได้เสนอหลักการใหม่ของที่นั่ง ซึ่งสาระสำคัญของมันคือการผสมและการผสมผสานของเสียงต่ำ ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สองตั้งอยู่ทางด้านขวาและซ้ายของตัวนำในหนึ่งบรรทัด ไวโอลินถูกแบ่งออกเป็นสองส่วนและประกอบขึ้นเป็นแถวถัดไป วิญญาณ เครื่องมือถูกวางไว้ข้างหลังพวกเขาในเชิงลึก บนพื้นฐานนี้ที่ตั้งของออร์คเกิดขึ้นในภายหลัง นักดนตรีซึ่งแพร่ระบาดในชั้นที่ 19 และชั้นที่ 1 ศตวรรษที่ 20 และต่อมาได้รับชื่อการจัดที่นั่ง "ยุโรป": ไวโอลินตัวแรก - ทางด้านซ้ายของตัวนำ, ที่สอง - ทางขวา, ไวโอลินและเชลโล - ด้านหลัง, เครื่องเป่าลมไม้ - ทางด้านซ้ายของตัวนำ, ทองเหลือง – ทางขวา (ในโอเปร่า) หรือในสองบรรทัด: อันแรกเป็นไม้, ข้างหลัง - ทองแดง (ในคอนเสิร์ต), ข้างหลัง – กลอง, ดับเบิลเบส (ดูรูปด้านบน)

O. ในศตวรรษที่ 20. (หลังสงครามโลกครั้งที่ 1 ค.ศ. 1914-18)

ศตวรรษที่ 20 นำเสนอรูปแบบการแสดงใหม่ ปฏิบัติโอ.ควบคู่ไปกับประเพณี. ละครวิทยุและโทรทัศน์และโอเปร่าในสตูดิโอปรากฏเป็นโอเปร่าและคอนเสิร์ตคอนเสิร์ต อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างระหว่างวิทยุและโอเปร่าโอเปร่าและคอนเสิร์ตซิมโฟนี นอกเหนือจากคอนเสิร์ตที่ใช้งานได้จริงแล้ว อยู่ที่การจัดที่นั่งของนักดนตรีเท่านั้น การเรียบเรียงไพเราะ เมืองต่างๆ ที่ใหญ่ที่สุดในโลกเกือบจะรวมกันเป็นหนึ่งเดียว และถึงแม้ว่าคะแนนจะยังคงระบุจำนวนสตริงขั้นต่ำสำหรับ Op. สามารถทำได้โดย O. ที่เล็กกว่า, ซิมโฟนีขนาดใหญ่ O. ศตวรรษที่ 20 เกี่ยวข้องกับทีมนักดนตรี 80-100 คน (บางครั้งอาจมากกว่านั้น)

ในศตวรรษที่ 20 มีการรวม 2 เส้นทางของวิวัฒนาการขององค์ประกอบ O หนึ่งในนั้นเกี่ยวข้องกับการพัฒนาประเพณีต่อไป สัญลักษณ์ใหญ่ A. ผู้แต่งยังคงใช้องค์ประกอบคู่ต่อไป (P. Hindemith, “Artist Mathis”, 1938; DD Shostakovich, Symphony No. 15, 1972) สถานที่ขนาดใหญ่ถูกครอบครองโดยองค์ประกอบสามส่วนซึ่งมักจะขยายตัวเนื่องจากการเพิ่มเติม เครื่องดนตรี (M. Ravel, โอเปร่า "Child and Magic", 1925; SV Rachmaninov, "Symphonic Dances", 1940; SS Prokofiev, ซิมโฟนีหมายเลข 6, 1947; DD Shostakovich, ซิมโฟนีหมายเลข 10, 1953; V. Lutoslavsky, ซิมโฟนี ลำดับที่ 2, 1967) บ่อยครั้งนักประพันธ์เพลงก็หันไปใช้การประพันธ์สี่เท่า (A. Berg, โอเปร่า Wozzeck, 1925; D. Ligeti, Lontano, 1967; BA Tchaikovsky, ซิมโฟนีหมายเลข 2, 1967)

ในเวลาเดียวกัน ในการเชื่อมต่อกับแนวโน้มทางอุดมการณ์และโวหารในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 วงออร์เคสตราได้เกิดขึ้น ในหลาย ๆ อาการ และ wok.-symp. การแต่งเพลงใช้เพียงส่วนหนึ่งของการแต่งเพลงซิมโฟนีขนาดใหญ่ อ. – ที่เรียกว่า. องค์ประกอบที่ไม่ใช่กฎเกณฑ์หรือเป็นรายบุคคลของ O ตัวอย่างเช่นใน "Symphony of Psalms" ของ Stravinsky (1930) จากแบบดั้งเดิม คลาริเน็ต ไวโอลิน และวิโอลาถูกยึดไปเป็นจำนวนมาก

สำหรับศตวรรษที่ 20 การพัฒนาอย่างรวดเร็วของกลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันเป็นลักษณะเฉพาะ To-rye ประกาศตัวเองว่าเป็นออร์คที่เต็มเปี่ยม สมาคม. ในยุค 20-30 ตี. เครื่องมือเริ่มได้รับความไว้วางใจไม่เพียง แต่มีจังหวะสีสันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงใจความด้วย ฟังก์ชั่น; พวกเขาได้กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของพื้นผิว ในเรื่องนี้กลุ่มกลองได้รับอิสระเป็นครั้งแรก ความหมายในสัญลักษณ์ O. ในตอนแรกใน O. ขององค์ประกอบที่ไม่ใช่กฎเกณฑ์และห้อง ตัวอย่าง ได้แก่ The Story of a Soldier ของ Stravinsky (1918), Bartók's Music for Strings, Percussion และ Celesta (1936) มีการประพันธ์เพลงที่มีความโดดเด่นในการเคาะจังหวะหรือเฉพาะสำหรับพวกเขาเท่านั้น ตัวอย่างเช่น Les Noces ของ Stravinsky (1923) ซึ่งรวมถึงนอกเหนือจากศิลปินเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียง เปียโน 4 ตัวและกลุ่มเพอร์คัชชัน 6 กลุ่ม; “Ionization” โดย Varèse (1931) เขียนขึ้นสำหรับเครื่องเพอร์คัชชันเท่านั้น (นักแสดง 13 คน) กลุ่มเพอร์คัชชันถูกครอบงำด้วยเครื่องดนตรีที่ไม่ได้กำหนดไว้ เครื่องดนตรีประเภทเดียวกันที่ไม่เหมือนกัน (ชุดกลองหรือฉาบขนาดใหญ่ ฆ้อง ท่อนไม้ ฯลฯ) ได้กลายเป็นที่แพร่หลาย อาร์ทั้งหมดและโดยเฉพาะชั้น 2 ตีศตวรรษที่ 20 กลุ่มอยู่ในตำแหน่งที่เท่าเทียมกันกับกลุ่มสตริงและลมทั้งในเชิงบรรทัดฐาน ("Turangalila" โดย Messiaen, 1946-48) และในองค์ประกอบที่ไม่ใช่กฎเกณฑ์ของ O. ("Antigone" โดย Orff, 1949; "Colors of the Heavenly City” โดย Messiaen สำหรับเปียโนโซโล, คลาริเน็ต 3 ตัว, ไซโลโฟน 3 ตัวและเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันโลหะ, 1963; Luke Passion โดย Penderecki, 1965) ในแผนก กลุ่มเพอร์คัชชันเองก็เพิ่มขึ้นเช่นกัน ในปีพ. ศ. 1961 มีการจัดงานพิเศษในสตราสบูร์ก เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน (140 เครื่องดนตรีและวัตถุให้เสียงต่างๆ)

ความปรารถนาที่จะเพิ่มระดับของเสียงต่ำของ O. นำไปสู่ฉาก รวมอยู่ในสัญลักษณ์ O. เครื่องมือไฟฟ้า. นั่นคือ "คลื่น Martenot" ที่สร้างขึ้นในปี 1928 (A. Honegger, "Joan of Arc at the stake", 1938; O. Messiaen, "Turangalila"), อิเลคโตรเนียม (K. Stockhausen, "Prozession", 1967), ionics ( B. Tishchenko, ซิมโฟนีที่ 1, 1961) มีความพยายามในการรวมองค์ประกอบแจ๊สใน O.. ในยุค 60-70 การบันทึกเทปเริ่มถูกนำมาใช้ในอุปกรณ์ของ O. โดยเป็นหนึ่งในองค์ประกอบของเสียง (EV Denisov, The Sun of the Incas, 1964) K. Stockhausen (Mixtur, 1964) ได้ให้คำจำกัดความของการขยายองค์ประกอบของ O. ว่า "live electronics" ควบคู่ไปกับความอยากที่จะฟื้นฟูเสียงต่ำในซิมโฟนี O. มีแนวโน้มที่จะฟื้นฟูเครื่องมือและ otd หลักการของ O. Baroque จากไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ 20 oboe d'amore (C. Debussy, “Spring Dances”; M. Ravel, “Bolero”), แตรเบส (R. Strauss, “Electra”), viol d'amour (G. Puccini, “Chio -Chio-san”; SS Prokofiev, “Romeo and Juliet”) ที่เกี่ยวข้องกับการบูรณะในคริสต์ศตวรรษที่ 20 เครื่องมือดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่ได้ถูกมองข้ามและเครื่องมือของศตวรรษที่ 15-16 (M. Kagel, “Music for Renaissance Instruments”, 1966; เกี่ยวข้องกับนักแสดง 23 คน, A. Pärt, “Tintinnabuli”, 1976) ใน O. ศตวรรษที่ 20 พบการสะท้อนและหลักการขององค์ประกอบความแปรปรวน ช. Ives ใช้การเปลี่ยนแปลงในส่วนขององค์ประกอบของ O. ในละคร The Question Left Unanswered (1908) การเลือกองค์ประกอบฟรีภายในกลุ่ม O. ที่กำหนดโดยคะแนนมีให้ใน Ozveny ของ L. Kupkovich แนวคิด stereophonic ของ O ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติม การทดลองครั้งแรกในการแบ่งพื้นที่ของ O. เป็นของ Ives (“ The Question Left Unanswered”, ซิมโฟนีที่ 4) ในยุค 70 แหล่งที่มาของเสียงส่วนใหญ่มาจากความแตกต่าง วิธี การแบ่งส่วนของออร์คทั้งหมด K. Stockhausen ใช้มวลชนต่อ "คณะนักร้องประสานเสียง" หรือ "กลุ่ม" หลายกลุ่ม (แตกต่างไปจากเดิม – ไม่ใช่เสียงต่ำ แต่มีความหมายเชิงพื้นที่) ถูกใช้โดย K. Stockhausen (“กลุ่ม” สำหรับ 3 O., 1957; “Kappe” สำหรับ 4 O. และคอรัส , 1960). องค์ประกอบของ O. “ กลุ่ม” (109 คน) แบ่งออกเป็นสามคอมเพล็กซ์ที่เหมือนกัน (แต่ละอันมีตัวนำของตัวเอง) จัดเรียงเป็นรูปตัวยู ที่นั่งของผู้ฟังอยู่ในช่องว่างระหว่างวงออเคสตรา 3. Mattus ในโอเปร่า The Last Shot (1967 ตามเรื่องราวของ BA Lavrenyov The Forty-First) ใช้สาม O. ที่อยู่ใน orc หลุมหลังผู้ชมและหลังเวที J. Xenakis ใน "Terretektor" (1966) วางนักดนตรี 88 คนของวงดุริยางค์ซิมโฟนิกขนาดใหญ่ในลักษณะเหมือนรังสีเอกซ์ซึ่งสัมพันธ์กับตัวนำที่อยู่ตรงกลาง ผู้ชมไม่เพียงยืนอยู่รอบ ๆ O. แต่ยังอยู่ระหว่างคอนโซลผสมกับนักดนตรี “การเคลื่อนย้าย Stereophony” (การเคลื่อนไหวของนักดนตรีด้วยเครื่องดนตรีระหว่างการแสดง) ใช้ใน “Klangwehr” โดย M. Kagel (1970) และซิมโฟนีที่ 2 โดย AG Schnittke (1972)

3 ตาราง

มีการใช้การจัดที่นั่งเฉพาะสำหรับนักดนตรีของ O. เมื่อใช้ ความเห็น องค์ประกอบที่ไม่ใช่กฎเกณฑ์ ในกรณีเหล่านี้ นักแต่งเพลงจะทำการบ่งชี้ที่เหมาะสมในคะแนน ระหว่างการใช้งานปกติของ O. เป็น monochoric complex เดียวในชั้น 1 ศตวรรษที่ 20 มีการจัดที่นั่งแบบ "ยุโรป" ที่อธิบายไว้ข้างต้น ตั้งแต่ปี พ.ศ. 1945 ระบบที่เรียกว่า "สิ่งที่เรียกว่า" ที่ L. Stokowski เริ่มนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย อาเมอร์. ที่นั่ง ไวโอลินตัวที่ 1 และ 2 อยู่ทางด้านซ้ายของตัวนำ เชลโลและวิโอลาอยู่ทางขวา ดับเบิลเบสอยู่ข้างหลัง เครื่องดนตรีลมอยู่ตรงกลาง หลังสาย กลอง เล่นเปียโนอยู่ ทางซ้าย.

ให้เสียงเครื่องสายที่แน่นหนายิ่งขึ้นในรีจิสเตอร์สูง “Amer” การจัดที่นั่งไม่ได้ไม่มีตามความเห็นของผู้ควบคุมวงบางคนและถูกปฏิเสธ ข้าง (เช่น ลดหน้าสัมผัสการทำงานของเชลโลและดับเบิลเบสที่อยู่ไกลกัน) ในเรื่องนี้มีแนวโน้มที่จะฟื้นฟู "ยุโรป" ที่ตั้งของนักดนตรี O. ผลงานของซิมโฟนี O. ในสภาพสตูดิโอ (วิทยุ, โทรทัศน์, การบันทึก) นำเสนอข้อมูลเฉพาะจำนวนหนึ่ง ข้อกำหนดที่นั่ง ในกรณีเหล่านี้ ความสมดุลของเสียงไม่ได้ถูกควบคุมโดยตัวนำเท่านั้น แต่ยังควบคุมโดยโทนมาสเตอร์ด้วย

ความเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงของ O. ในศตวรรษที่ 20 เป็นเครื่องยืนยันถึงความจริงที่ว่าเขายังคงเป็นเครื่องมือแห่งการสร้างสรรค์ที่มีชีวิต เจตจำนงของผู้แต่งและยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องทั้งในองค์ประกอบเชิงบรรทัดฐานและปรับปรุง (ไม่ใช่เชิงบรรทัดฐาน)

อ้างอิง: Albrecht E. อดีตและปัจจุบันของวงออเคสตรา (เรียงความเกี่ยวกับสถานะทางสังคมของนักดนตรี), เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, 1886; ดนตรีและชีวิตทางดนตรีของรัสเซียโบราณ CO., L. , 1927; Pindeizen Nick., บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีในรัสเซียตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 2, (เล่ม. 1928), M.-L. , 29-2; เอกสารและเอกสารเกี่ยวกับประวัติดนตรี, เล่มที่. พ.ศ. 1934 - ศตวรรษที่สิบแปด เอ็ด MV Ivanov-Boretsky มอสโก 1. Shtelin Jakob von, Izvestiya o musik v Rossii, ทรานส์ จากภาษาเยอรมัน ในวันเสาร์: มรดกทางดนตรี เลขที่ 1935 ม. 1935; เขา ดนตรีและบัลเล่ต์ในรัสเซียในศตวรรษที่ 1961 ทรานส์ จากภาษาเยอรมัน, L. , 1969; Rogal-Levitsky DR การสนทนาเกี่ยวกับวงออเคสตรา M. , 1969; Barsova IA, หนังสือเกี่ยวกับวงออเคสตรา, M. , 1971; Blagodatov GI, ประวัติวงดุริยางค์ซิมโฟนี, L. , 1973; สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 1973-3, Sat, comp. รองประธาน Shestakov (M. , 1975); Levin S. Ya. เครื่องมือลมในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี L. , XNUMX; ฟอร์ทูนาตอฟ ยู ก. ประวัติวงออเคสตรา. โปรแกรมสำหรับคณะดนตรีและนักแต่งเพลงของมหาวิทยาลัยดนตรี M. , XNUMX; Zeyfas HM, คอนแชร์โต้ กรอสโซ ในดนตรีบาโรก, ใน: Problems of Musical Science, vol. XNUMX, M., XNUMX.

IA Barsova