Andrei Yakovlevich Eshpay |
อันเดรย์ เอชเปย์
ความสามัคคีเดียว – โลกที่เปลี่ยนแปลง … เสียงของทุกประเทศควรฟังในรูปแบบโพลีโฟนีของโลก และนี่เป็นไปได้หากศิลปิน – นักเขียน จิตรกร นักแต่งเพลง – แสดงความคิดเห็นและความรู้สึกในภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างของเขา ยิ่งเป็นศิลปินระดับชาติมากเท่าไร ก็ยิ่งมีความเป็นตัวของตัวเองมากขึ้นเท่านั้น ก. เอสเพย์
ในหลาย ๆ ด้าน ชีวประวัติของศิลปินเองได้กำหนดไว้ล่วงหน้าถึงความคารวะต่อต้นฉบับในงานศิลปะ พ่อของนักแต่งเพลง Y. Eshpay หนึ่งในผู้ก่อตั้งดนตรีอาชีพของ Mari ปลูกฝังให้ลูกชายของเขารักศิลปะพื้นบ้านด้วยงานที่ไม่เห็นแก่ตัวของเขา A. Eshpay กล่าวว่า “คุณพ่อมีความสำคัญ ลึกซึ้ง ฉลาดหลักแหลม และมีไหวพริบ เจียมเนื้อเจียมตัวมาก – นักดนตรีที่แท้จริงสามารถปฏิเสธตนเองได้ เขาเป็นนักเลงที่เชี่ยวชาญเรื่องคติชนวิทยา ดูเหมือนว่าเขาจะก้าวออกจากการเป็นนักเขียน โดยเห็นหน้าที่ของเขาในการถ่ายทอดความงามและความยิ่งใหญ่ของความคิดพื้นบ้านแก่ผู้คน เขาตระหนักว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะปรับมาตราส่วน Mari pentatonic … ให้เข้ากับระบบศิลปะพื้นบ้านที่กลมกลืนกันและเป็นอิสระอื่น ๆ ฉันสามารถจำต้นฉบับได้จากงานของพ่อเสมอ”
A. Eshpay ตั้งแต่วัยเด็กซึมซับนิทานพื้นบ้านของชนชาติต่าง ๆ ในภูมิภาคโวลก้าซึ่งเป็นระบบบทกวีที่ยิ่งใหญ่ของภูมิภาค Ugric ที่รุนแรง สงครามกลายเป็นประเด็นโศกนาฏกรรมพิเศษในชีวิตและผลงานของนักประพันธ์ - เขาสูญเสียพี่ชายของเขาซึ่งความทรงจำของเขาอุทิศให้กับเพลงไพเราะ "Muscovites" ("Earring with Malaya Bronna") เพื่อน ๆ ในหมวดลาดตระเวน Eshpay ได้เข้าร่วมในการปลดปล่อยกรุงวอร์ซอ ในการปฏิบัติการในกรุงเบอร์ลิน บทเรียนดนตรีที่ถูกขัดจังหวะด้วยสงครามได้เริ่มต้นขึ้นอีกครั้งที่ Moscow Conservatory ซึ่ง Eshpay ศึกษาการแต่งเพลงร่วมกับ N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev และเปียโนกับ V. Sofronitsky เขาสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาโทภายใต้การแนะนำของ A. Khachaturian ในปี 1956
ในเวลานี้ Symphonic Dances on Mari Themes (1951), ท่วงทำนองฮังการีสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา (1952), First Piano Concerto (1954, 2nd edition – 1987), First Violin Concerto (1956) งานเหล่านี้นำชื่อเสียงมาสู่นักแต่งเพลงเปิดหัวข้อหลักของงานของเขาหักเหศีลของครูอย่างสร้างสรรค์ เป็นลักษณะเฉพาะที่ Khachaturian ซึ่งปลูกฝังในตัวเขาตามที่นักแต่งเพลง "รสชาติสำหรับขนาด" ส่วนใหญ่มีอิทธิพลต่อความคิดของ Eshpa เกี่ยวกับประเภทคอนเสิร์ต
โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่บ่งบอกคือ First Violin Concerto ที่มีความกระฉับกระเฉงความสดความรวดเร็วในการแสดงออกของความรู้สึกการอุทธรณ์ที่เปิดกว้างสำหรับคำศัพท์พื้นบ้านและประเภท Eshpay อยู่ใกล้กับ Khachaturian ด้วยความรักในสไตล์ของ M. Ravel ซึ่งเด่นชัดเป็นพิเศษในงานเปียโนของเขา (First Piano Concerto, First Piano Sonatina - 1948) ความสามัคคี ความสดใหม่ การติดต่อทางอารมณ์ และความเอื้ออาทรของสีสัน ยังรวมเอาผู้เชี่ยวชาญเหล่านี้เข้าไว้ด้วยกัน
ธีมของ Myaskovsky เป็นส่วนพิเศษในผลงานของ Eshpay ตำแหน่งทางจริยธรรม ภาพลักษณ์ของนักดนตรีโซเวียตที่โดดเด่น ผู้รักษาและปฏิรูปประเพณีที่แท้จริง กลายเป็นอุดมคติสำหรับผู้ติดตามของเขา นักแต่งเพลงยังคงยึดมั่นในหลักคำสอนของ Myaskovsky: “จริงใจ กระตือรือร้นต่องานศิลปะ และเป็นผู้นำในแนวของตัวเอง” งานอนุสรณ์ในความทรงจำของ Myaskovsky เกี่ยวข้องกับชื่อของครู: Organ Passacaglia (1950), Variations for Orchestra on a Theme of Myaskovsky's Sixteenth Symphony (1966), Second Violin Concerto (1977), Viola Concerto (1987-88), ซึ่งใช้วัสดุของอวัยวะ Passacaglia อิทธิพลของ Myaskovsky ต่อทัศนคติของ Eshpay ต่อคติชนวิทยามีความสำคัญมาก: ตามครูของเขานักแต่งเพลงได้ตีความสัญลักษณ์ของเพลงพื้นบ้านเพื่อบรรจบกันของเลเยอร์ดั้งเดิมที่แตกต่างกันในวัฒนธรรม ชื่อของ Myaskovsky ยังเกี่ยวข้องกับการอุทธรณ์ไปยังประเพณีที่สำคัญที่สุดอีกประการหนึ่งของ Eshpay ซึ่งมีการทำซ้ำในหลาย ๆ เพลงโดยเริ่มจากบัลเล่ต์ "Circle" ("Remember!" - 1979) - Znamenny ร้องเพลง ก่อนอื่นใน Fourth (1980), Fifth (1986), Sixth (“ Liturgical” Symphony (1988), Choral Concerto (1988) เป็นตัวเป็นตนก่อนอื่นเลยหลักการที่กลมกลืนกันรู้แจ้ง ethos คุณสมบัติดั้งเดิมของ ความประหม่าระดับชาติ หลักการพื้นฐานของวัฒนธรรมรัสเซีย ความสำคัญพิเศษได้รับประเด็นสำคัญอีกประการหนึ่งในงานของ Eshpay - เชิงโคลงสั้น ๆ ฝังรากลึกในแบบดั้งเดิมไม่เคยกลายเป็นความเด็ดขาดของปัจเจกบุคคลคุณสมบัติที่ไม่อาจโอนได้นั้นเน้นความยับยั้งชั่งใจและความเข้มงวดความเป็นกลางในการแสดงออกและ มักจะเชื่อมโยงโดยตรงกับน้ำเสียงของพลเมือง
แนวทางแก้ไขของธีมทางการทหาร ประเภทของอนุสรณ์สถาน การอุทธรณ์ต่อเหตุการณ์พลิกผัน ไม่ว่าจะเป็นสงคราม วันที่น่าจดจำในประวัติศาสตร์ เป็นเรื่องแปลก และเนื้อเพลงมีอยู่ในความเข้าใจเสมอ งานเช่นซิมโฟนี First (1959), Second (1962) ที่สว่างไสว (บทประพันธ์ของ First - คำพูดของ V. Mayakovsky "เราต้องเอาชนะความสุขจากวันข้างหน้า" บทที่สอง - "สรรเสริญ สู่แสงสว่าง”), cantata “Lenin with us” ( 1968) ซึ่งมีความโดดเด่นในเรื่องความน่าดึงดูดใจราวกับโปสเตอร์ ความสว่างของวาทศิลป์ในการแสดงออก และในขณะเดียวกันภูมิทัศน์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ที่ดีที่สุดได้วางรากฐานสำหรับการผสมผสานโวหารที่เป็นต้นฉบับของ วาทศิลป์และโคลงสั้น ๆ วัตถุประสงค์และส่วนตัวมีความสำคัญต่องานสำคัญของผู้แต่ง ความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกันของ "การร้องไห้และสง่าราศี ความสงสารและการสรรเสริญ" (D. Likhachev) ซึ่งมีความสำคัญต่อวัฒนธรรมรัสเซียโบราณนั้นยังคงดำเนินต่อไปในประเภทต่างๆ ที่โดดเด่นเป็นพิเศษคือ ซิมโฟนีที่สาม (In Memory of My Father, 1964), ไวโอลินตัวที่สองและวิโอลาคอนแชร์โต้ ซึ่งเป็นวงเวียนใหญ่ชนิดหนึ่ง - ซิมโฟนีที่สี่ ห้า และหก คอนแชร์โต้ ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ความหมายของธีมโคลงสั้น ๆ ได้มาซึ่งเสียงหวือหวาเชิงสัญลักษณ์และปรัชญา การทำให้บริสุทธิ์มากขึ้นเรื่อยๆ จากทุกสิ่งภายนอก อัตนัย-ผิวเผิน อนุสรณ์ถูกสวมใส่ในรูปแบบของคำอุปมา การเปลี่ยนธีมโคลงสั้น ๆ จากเทพนิยาย-นิทานพื้นบ้านและการเล่าเรื่องแนวโรแมนติก-ฮีโร่ในบัลเลต์อังการา (1975) เป็นภาพทั่วไปของวงบัลเลต์เตือน (จำไว้!) ความสำคัญที่เป็นสากลของการอุทิศงานซึ่งแฝงไปด้วยความหมายที่น่าเศร้าและบางครั้งก็เศร้ายิ่งปรากฏชัดเจนขึ้นเรื่อยๆ การรับรู้ที่เพิ่มขึ้นเกี่ยวกับธรรมชาติความขัดแย้งของโลกสมัยใหม่และความอ่อนไหวของปฏิกิริยาทางศิลปะต่อคุณภาพนี้สอดคล้องกับความรับผิดชอบของผู้แต่งที่มีต่อมรดกและวัฒนธรรม แก่นสารของภาพคือ “บทเพลงแห่งขุนเขาและทุ่งหญ้ามารี” (1983) การประพันธ์นี้ร่วมกับคอนแชร์โต้สำหรับโอโบและออเคสตรา (1982) ได้รับรางวัลเลนิน
น้ำเสียงเชิงวัตถุ-โคลงสั้น ๆ และเสียง "ประสานเสียง" ให้สีการตีความประเภทคอนเสิร์ต ซึ่งรวบรวมหลักการแต่ละอย่าง การแสดงในรูปแบบต่างๆ – อนุสรณ์, การทำสมาธิ, ในการพักผ่อนหย่อนใจของคติชน, ในการอุทธรณ์ไปยังรูปแบบการคิดใหม่ของคอนแชร์โตกรอสโซเก่า, ชุดรูปแบบนี้ได้รับการปกป้องอย่างสม่ำเสมอโดยนักแต่งเพลง ในเวลาเดียวกัน ในประเภทคอนเสิร์ต เช่นเดียวกับการเรียบเรียงอื่นๆ นักแต่งเพลงจะพัฒนาลวดลายขี้เล่น งานรื่นเริง การแสดงละคร ความสว่างของสี และพลังแห่งจังหวะที่กล้าหาญ สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในคอนแชร์โต้สำหรับวงออเคสตรา (1966), เปียโนที่สอง (1972), โอโบ (1982) คอนแชร์โต และคอนแชร์โต้สำหรับแซกโซโฟน (1985-86) สามารถเรียกได้ว่าเป็น "ภาพเหมือนของการแสดงด้นสด" “หนึ่งความสามัคคี – โลกที่เปลี่ยนแปลง” – คำเหล่านี้จากบัลเล่ต์ “Circle” สามารถใช้เป็นบทสรุปของงานของอาจารย์ได้ การเปลี่ยนผ่านของความสามัคคี รื่นเริงในความขัดแย้งและโลกที่ซับซ้อนนั้นเฉพาะสำหรับผู้แต่ง
ควบคู่ไปกับรูปแบบของรูปแบบของประเพณี Eshpay เปลี่ยนไปใช้สิ่งใหม่และไม่รู้จักอย่างสม่ำเสมอ การผสมผสานแบบออร์แกนิกของแบบดั้งเดิมและนวัตกรรมนั้นมีอยู่ในมุมมองเกี่ยวกับกระบวนการแต่งเพลงและในงานของผู้แต่งเอง ความกว้างและอิสระในการทำความเข้าใจงานสร้างสรรค์นั้นสะท้อนให้เห็นในแนวทางเดียวกันกับเนื้อหาประเภท เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าธีมและคำศัพท์ของแจ๊สเป็นสถานที่พิเศษในงานของนักแต่งเพลง แจ๊สสำหรับเขาคือผู้ดูแลดนตรีและนิทานพื้นบ้าน นักแต่งเพลงให้ความสนใจอย่างมากกับเพลงมวลชนและปัญหาของเพลง ดนตรีเบา ๆ งานศิลปะภาพยนตร์ ซึ่งมีความสำคัญในแง่ของศักยภาพในการละครและการแสดงออก ซึ่งเป็นแหล่งของแนวคิดอิสระ โลกของดนตรีและความเป็นจริงที่มีชีวิตปรากฏขึ้นในความสัมพันธ์แบบออร์แกนิก ตามที่ผู้แต่งกล่าวว่า “โลกมหัศจรรย์ของดนตรีไม่ได้ปิด ไม่โดดเดี่ยว แต่เป็นเพียงส่วนหนึ่งของจักรวาลที่มีชื่อคือชีวิต”
ม.โลบาโนว่า
